Saltar ao contido

Arte da Idade Moderna

Na Galipedia, a Wikipedia en galego.
Por período
Arte prehistórica
Arte antiga
Arte medieval
Arte da I. Moderna
Arte moderna
A. contemporánea
Por expresión

Arquitectura–Pintura
Escultura–Deseño
Literatura–Música
Teatro–Cinema

Arte da Idade Modernaé o período ou subdivisión temporal dahistoria da arteque corresponde áIdade Moderna.Non se ha de confundir co concepto dearte moderna,que non é cronolóxico senón estético, e que corresponde a determinadas manifestacións daarte contemporánea.

O período cronolóxico da Idade Moderna corresponde cos séculos XV ao XVIII (con distintos fitos iniciais e finais, como aimprentaou odescubrimento de América,e as revoluciónsfrancesaouindustrial), e significou historicamente en Europa a conformación e posterior crise doAntigo Réxime(concepto que inclúe atransición do feudalismo ao capitalismo,unhasociedade estamentalepreindustriale unhamonarquía autoritariaouabsolutadesafiada polas primeirasrevolucións burguesas). Desde aera dos descubrimentosos cambios históricos aceleráronse, co xurdimento doestado moderno,ateoría do sistema-mundoe arevolución científica;no marco do inicio dunha decisiva expansión europea a través daeconomía,asociedade,apolítica,atécnica,aguerra,arelixióne acultura.Durante ese período, os europeos estendéronse fundamentalmente porAméricae os espazos oceánicos. Co tempo, xa ao final do período, estes procesos terminaron por facer dominante acivilización occidentalsobre o resto dascivilizaciónsdo mundo, e con iso determinaron a imposición dos modelos propios daarte occidental,concretamente daarte europeaoccidental, que desde o Renacemento italiano identificouse cun ideal estético formado a partir da reelaboración dos elementos recuperados daarte clásicagreco-romano,aínda que sometidos a unha sucesión pendular deestilos(renacemento,manierismo,barroco,rococó,neoclasicismo,prerromanticismo) que, ben optaban por unha maiorliberdade artísticaou ben por un maior sometemento ásregras da arteinstitucionalizadas na denominadaarte académica.A función social doartistacomezou a superar a do meroartesánpara converterse nunha personalidadeindividualista,que destacaba nacorte,ou nunha figura de éxito nomercado libreda arte. Do mesmo xeito que nos demais ámbitos dacultura,amodernidadeaplicada á arte significou unha progresivasecularizaciónou emancipación do relixioso que chegou ao seu punto culminante coaIlustración;aínda que aarte relixiosacontinuou sendo unha das máis encargadas, se non o que máis, xa non dispuxo da abafadora presenza que había ter naarte medieval.

No entanto, durante todo o período da Idade Moderna as principais civilizacións do mundo mantivéronse pouco influídas, ou ata case totalmente alleas aos cambios experimentados polas sociedades e a arte europea, mantendo esencialmente os trazos culturais e artísticos propios (arte da India,arte chinesa,arte xaponesa,arte africana).

Acivilización islámica,definida pola súa posición xeoestratéxica intermedia, e principal competidora histórica dacivilización cristiáoccidental, á que disputou secularmente oespazo mediterráneoebalcánico,desenvolveu distintas modalidades locais dearte islámicanas que poden verse influencias tanto da arte occidental como do dascivilizacións orientais.

Para o caso daarte americana,acolonización europeasupuxo, especialmente para zonas comoMéxicoe oPerú,a formación dunhaarte colonialcon algunhas características sincréticas.

EnEuropa orientalaarte bizantinacontinuou pervivindo coaarte rusaou con algunhas manifestacións daarte otomá.

Ademais dasartes plásticas,outrasbelas artescomo amúsica,asartes escénicase aliteraturativeron desenvolvementos paralelos, analoxías formais e unha maior ou menor coincidencia estética e, sobre todo, intelectual, ideolóxica e social; o que permitiu áhistoriografíaetiquetar a súaperiodizacióncon denominacións similares (música renacentista,música barroca,música do clasicismo;literatura do renacemento,literatura do barroco,literatura ilustrada ou neoclásicaetc.) O mesmo pode dicirse das denominadasartes menores,decorativas ou industriais, que foron un fiel reflexo do gusto artístico de determinadas épocas (como os denominados estilosHenrique II,Lois XIII,Lois XIV,Rexencia,Lois XV,Lois XVI,DirectorioeImperio,convencionalmente denominados a partir dahistoria do mobiliario francés.[1][2]

Arte europea occidental[editar|editar a fonte]

Séculos XV e XVI: Gótico final, Renacemento e Manierismo[editar|editar a fonte]

Gótico final e Renacemento nórdico[editar|editar a fonte]

Artigo principal:Renacemento.
Véxase tamén:Arquitectura do Renacemento,Pintura renacentista,Escultura do Renacemento,Renacemento españolePintura renacentista de España.

Oséculo XVsignificou unha continuidade daarte góticana maior parte dos países europeos. O denominadogótico internacionalrepresentaba a imposición, no denominadooutono da Idade Media,[3]dun gusto refinado e cortesán, de orixefrancés,provenzaleborgoñón,que se estendía entre todas asartes plásticas,especialmente apinturaen soportes mobles (polípticoscada vez máis complexos eiluminación de manuscritos) e aourivaría(Goldenes Rössl(O corcel dourado), 1404). Ogótico flamíxeroaplicouse áarquitectura civil(concellos e palacios urbanos) ademaisda relixiosa,do que son mostra os conxuntos urbanos de ricas cidades burguesas comoBruxaseGanteenFlandrese outros núcleos nas rutas comerciais que se estendían por todo o continente con gran vitalidade tralacrise do século XIV:feirasdeChampañae deMedina,canellóns daMestaque cruzaban Castela de sur a norte (Toledo,Segovia,Burgos), cidades doRin(Colonia,Maguncia,Colmar,Friburgo,Estrasburgo,Basilea), do sur deAlemaña(Augsburgo,Núremberg), deBorgoña(Dijon,Hôtel-Dieu de Beaune,1443) ou os portos setentrionais daHansa(Talín,Danzig,Lübeck,Hamburgoou o propioLondres).

O mantemento da tradición gótica, das características locais ou a maior ou menor influencia dos núcleosflamengo-borgoñónouitalianocaracterizou a diversidade da produción artística europea durante todo o período. Boa parte da produción arquitectónica de finais do XV e comezos do século XVI efectuouse con estilos nacionais que supoñen unha evolución natural do gótico, como oplaterescoouisabelino(de debatido deslindamento) e oestilo CisnerosenCastela;[4]e oestilo Tudorougótico perpendicularenInglaterra,que evolucionou áarquitectura isabelinade finais do XVI e comezos do XVII, xa fortemente influída polos novos modelos renacentistas italianos. Oarco oxivalgótico e as floridascruceríasforon substituídos poloarco de medio punto,acúpulae os elementosarquitrabadosque recordaban a Roma (frontóns,frisos,cornixas,ordes clásicas). Ata se impuxo a decoración a base dosgrotescosrecentemente descubertos naDomus AureadeNerón.

En pintura e escultura, o gusto nórdico predominou fronte ao italiano ata comezos do século XVI na maior parte de Europa Occidental, o que explica o éxito de artistas como osColonia,osEgas,Gil de Siloé,Felipe Bigarny,Rodrigo AlemánouMichel Sittow(proveniente dun lugar tan afastado como o BálticoHanseático); aínda que o influxo de Italia tamén se deixou sentir, como demostra o periplo europeo de escultores italianos comoDomenico FancelliePietro Torrigiano(menos significativa foi a emigración de pintores italianos, posto que é fácil importar pintura, pero é máis fácil importar ao escultor que ás esculturas) e as aprendizaxes en Italia de pintores franceses e españois comoJean Fouquet,Pedro BerrugueteouYáñez de la Almedina.Pero nin sequera nesas primeiras décadas do século XVI pode dicirse que se producise unha identificación do italianismo renacentista a comparar ou imitar co canon florentino-romano ou «paradigma vasariano» (que é o que terminou fixando no gusto clasicista perpetuado nos séculos posteriores).[5]A maior parte da produción local, en todas as artes, tivo unha paulatina transición entre as formas góticas e as renacentistas. Na escultura castelá, esta transición correu a cargo do grupo formado en torno aosEgas:conJuan GuaseSebastián de Almonacid,[6]mentres que na coroa de Aragón cumpriu un papel similarDamián Formente en FranciaMichel Colombe.

Ata na propia Italia de finais do XV había posiblemente maior interese pola pinturaflamengaque o que puidese haber pola pintura italiana en Flandres, como demostra o impacto doTríptico Portinari(1476), que non tivo equivalente en obras italianas exportadas aos Países Baixos.[7]

En canto ao gusto privado dun monarca da segunda metade do XVI, cualificado dePríncipe do Renacemento,[8]comoFilipe II de España,as fantasías oníricas e moralistas doBoscoou as obras de pintores tan arcaizantes comoMarinusePieter Coeckeavantaxaban aos mestres italianos ou a outros máis innovadores, comoO Greco.No entanto, a xeración dos monarcas da primeira metade do século deixouse seducir polos xenios italianos deLeonardo da Vinci(Francisco I de Francia) ouTiziano(Carlos I de España―emperador Carlos V―).

En canto aFlandreseItalia,a brillantez e orixinalidade indiscutible de cada un dos artistas individuais e escolas locais; así como a fluidez dos contactos mutuos, tanto de obras(Tríptico Portinari)coma de mestres (Xusto de Gante,Petrus Christus,Rogier van der Weyden,Mabuse-viaxan de Flandres a Italia-Jacopo de'Barbari,Antonello da Messina-viaxan de Italia a Flandres-, a viaxe de Antonello, citado porVasari,é posta en dúbida pola modernahistoriografía,que unicamente recoñece a súa coincidencia con Petrus Christus en Milán[10]); obrigan a falar dun protagonismo compartido que nin priorice nin confunda as características propias de cada foco, que son marcadamente diferentes.[11]

A rexión flamengo-borgoñoa e a súa conexión natural con Italia, a zona alemá doRine o altoDanubio,foron dun destacado dinamismo en todas as ramas da cultura e a arte, destacadamente en pintura, coa innovación decisiva dapintura ó óleo(irmánsvan Eyck)[12]e o desenvolvemento dogravadoque alcanzou alturas extraordinarias conAlberto DureroouLucas van Leyden,ademais da invención daimprenta(Gutenberg,1453). A pintura flamenga e alemá caracterizáronse por un intenso realismo e nitidez, e o gusto polo detalle levado ao seu límite. A escola de pintores do século XV denominadaprimitivos flamengoscomponse dunha extensa nómina de mestres:Roger van der Weyden,Thierry Bouts,Petrus Christus,Hans Memling,Hugo van der Goes,e algúns anónimos cuxa atribución se conseguiu establecer ou é aínda obxecto de debate (Mestre de FlemalleRobert Campin,Mestre de Moulins-Jean Hey-,Mestre da Lenda de Santa Lucía,[13] Mestre da follaxe bordada,[14]Mestre de Alkmaar,Mestre de Fráncfort,Mestre da Lenda de Santa Bárbara,Mestre da Virgo inter Virgines,Mestre da Vista de santa Gúdula,Mestre de María de Borgoña,Mestre do Monograma de Brunswick[15]); e que a finais do XV e comezos do XVI continuou con figuras do talle doBosco,Gerard David,Jan Joest van Calcar,Joachim Patinir,Quentin MatsysouPieter Brueghel o Vello.A potencia da pintura alemá da época non se limitou aDurero,véndose na produción de artistas comoGrünewald,AltdorferouLucas Cranach o Vello.Tamén se producen frutíferas viaxes de mestres alemáns a Italia (Durero,Michael Pacher),[16]mentres que o trasfego de mestres alemáns, sobre todo renanos, cara a Flandres foi moito máis abundante.

Renacemento italiano: Quattrocento[editar|editar a fonte]

Artigo principal:Renacemento italiano.

Italia desenvolvera durante toda a Idade Media producións artísticas significativamente diferenciadas do resto da Europa Occidental, que aínda que se clasifican dentro dorománicoou dogótico,presentan marcadas características propias, que adoitan atribuírse á pervivencia da herdanza clásica grecorromana e aos contactos coaarte bizantina(particularmente enVenecia-arquitectura gótica veneciana―,[17]pero tamén no denominadonaturalismo romano―Pietro Cavallini―[18]). Ademais dos precursores literarios do Renacemento (Dante,PetrarcaeBocaccio), escultores como osPisano,pintores daescola sienesa(Duccio di Buoninsegna,Simone Martini) e aescola florentina(Giotto,Cimabue), e artistas completos comoArnolfo di Cambioson os precedentes inmediatos da explosión creativa doQuattrocento(anos mil catrocentos en italiano), que se inicia cos frescos deFra Angelicoe deMasaccio,os relevos deJacopo della Querciae os vultos redondos deDonatello.A municipalidade deFlorenciade comezos de século convocou dous concursos de obras puntuais para a terminación da súa catedral que se converteron en fitos da historia da arte: a solución xenial deBrunelleschiá cúpula deSanta María del Fiore(1419), e asportas de bronce do Baptisterio,que realizouGhiberti(1401).[19]

A mediados de século reuníronse na mesma cidade un afortunado conxunto de circunstancias, especialmente o desenvolvemento da filosofíahumanista(que desenvolveu en termosantropocentristasnovos conceptos dehomee denatureza,cuxamímese-imitación- sería a función da arte) e a presenza dunha legación grega noConcilio de Florencia(1439-1445, que procuraba a unidade dos cristiáns nos momentos finais daresistencia de Constantinoplafronte aos turcos), que puxeron áantigüidade clásica,os seus textos e á reflexión sobre ateoría da arte,no centro da atención intelectual. Ao mesmo tempo, osartistasexperimentaron unha promoción social decisiva: pasaron a converterse enhumanistasouhomes do renacemento,é dicir, profesionais completos non só dun oficio artístico, senón de todos eles á vez, ademais de cultivados e letrados, o que lles permitía ser tamén poetas e filósofos, dignos de tratar con aristócratas laicos e eclesiásticos, príncipes, reis e papas, que os disputaban e non se avergoñaban de admiralos e tratalos con consideración.

A corte dosMediciutilizou omecenadocomo un mecanismo de prestixio a unha escala que lle permitiu converterse nun centro artístico comparable áRoma de Augustoou aAtenas de Pericles:pintores comoPaolo Uccello,Andrea do Castagno,Pollaiuolo,Sandro Botticelli,Pinturicchio,Luca Signorelli,osGhirlandaio,Cosimo RosselliouBenozzo Gozzoli,escultores comoLuca della RobbiaouAndrea del Verrocchioe arquitectos comoMichelozzo,Bernardo RossellinoeLeon Battista Alberti.O vocabulario clásico e o descubrimento das leis daperspectivalineal construíron as bases teóricas autoconscientes dunha arte de forte personalidade, aescola florentina do quattrocento,que trala decadencia dea sienesa(o seu rival noduecentoe otrecento) converteuse na dominante en Italia, caracterizada polo predominio dodisegno(debuxo,deseño). Proba do seu prestixio foi a selección de mestres para o programa pictórico das paredes laterais daCapela Sistina(1481-1482). Era común que moitos dos pintores florentinos procedesen doutras escolas locais italianas, comoPiero della Francesca,que procedía daescola de Ferrara(Francesco del Cossa,Cosimo Tura),Mantegna,que procedía daEscola de Padua(Francesco Squarcione,Melozzo da Forli,Filippo Lippi) ouPerugino,daescola da Umbríaou deas Marcas(Melozzo da Forli,Luca Signorelli). A escola veneciana, á súa vez, recibiu o influxo do veronésPisanelloe o sicilianoAntonello da Messina(a quen se atribúe a introdución da técnica flamenga doóleoen Italia)[22][23]para desenvolver características peculiarísimas centradas no dominio da cor, visibles enAlvise VivarinieCarlo Crivellie que chegarán á súa cima cos Bellini.[24]

Alto Renacemento ou Renacemento clásico[editar|editar a fonte]

Artigo principal:Alto Renacemento.

A xenial figura deLeonardo da Vinci,que mantivo unha vida errante polas cortes italianas e francesa, enmarca o tránsito cara aoCinquecento(anos mil cincocentos en italiano). Ábrese o denominadoAlto RenacementoouRenacemento clásico:[26]Florencia (que sufrira o furor iconoclasta deSavonarola) foi substituída como centro artístico por Roma, baixo o mecenado papal, que atraeu aBramante,MichelangeloeRafael Sanzio,desenvolvendo o ambiciosísimo programa artístico doVaticano(cuxo enorme custo foi unha das razóns do descontento que xerou aReforma protestante), co que pode falarse dunhaescola florentino-romana(os citados eFra Bartolommeo,Andrea del Sarto,Giulio Romano,Benvenuto Cellini,Baldassarre Peruzzi,Giovanni Antonio Bazzi(Il Sodoma)e outros, cuxa condición de émulos eclipsados polo xenio dos seus mestres, malia os seus valores propios, failles ser clasificados moi habitualmente como manieiristas).[27]Mentres tanto, en Venecia desenvolveuse con características propias unhaescola veneciana de pinturacaracterizada polo dominio da cor (osBellini,Giorgione,Tiziano).

En relación co renacemento de mediados do século XV, caracterizado pola experimentación sobre aperspectivalineal, oalto renacementocaracterizouse pola madurez e o equilibrio que se atopa nosfumatode Leonardo; nos volumes marmóreos daterribilitàmiguelangelesca; nas cores, texturas e ochiaroscurodos venecianos ou dasMadonnasdeRafael,que dan á luz e ás sombras un novo protagonismo, xunto á súa característicamorbidezza(suavidade, brandura); no adiantamento do brazo nos retratos (como naGioconda); nacomposiciónclara, especialmente a triangular, marcada pola relación das figuras con miradas e posturas, particularmente nas mans.[28]

Baixo Renacemento ou Manierismo[editar|editar a fonte]

Artigo principal:Manierismo.

Desde osaqueo de Roma de 1527,o renacemento supera a súa fase clasicista para experimentar con máis liberdade formal e menos suxeición a equilibrios e proporcións, esaxerando os trazos, introducindo rupturas e investimentos da orde lóxica, formas dinámicas como aserpentinata,e dando paso a chiscadelas intelectuais eiconográficassofisticadas ou aohumor.Os lonxevos Michelangelo e Tiziano continuaron a súa inxente obra, á vez que as novas xeracións de artistas imitan a súamaniera(cuasi divinizada polos primeiroshistoriadores da artecomoVasari) ou ben desenvolven a súa propia creatividade:[29]

Pontormo-Descendemento,1528-,Correggio-Adoración dos pastores,1530-,Parmigianino-Madonna do pescozo longo,1540-,Bronzino-Retrato de Lucrezia Panciatichi,1540-,Tintoretto-Lavatorio,1549-,Veronese-Vodas de Caná,1563-,Sebastiano del Piombo,Arcimboldo,osBassano,osPalma(pintores),Giambologna-Hércules e o centauro Neso,1550-,Benvenuto Cellini-Salero de Francisco I de Francia,1543- (escultores),Serlio-Os sete libros da arquitectura,publicados entre 1537 e 1551-,Palladio-Teatro Olímpico,1580-,Vincenzo Scamozzi,Vignola,Giacomo della Porta(arquitectos), ou artistas completos comoGiulio Romano(edificio e frescos doPalacio do té,1524-1534),Jacopo Sansovino(intervencións en torno áPraza de San Marcosde Venecia desde 1529, como aBiblioteca Marciana,1537-1553),Bartolomeo Ammannati(Fonte de Neptuno,ampliación doPalacio Pitti,1558-1570) eFederico Zuccaro(Palacio Zuccari,un extravagante e persoal proxecto para a súa propia vivenda en Roma, 1590).

Polo resto de Europa difúndese un estilo italianizante, que en cada zona adquire características peculiares: en Francia aescola de Fontainebleau,pintores comoFrançois Clouet,escultores comoJean Goujon,Ligier RichierouGermain Pilone o embelecemento dos eleganteschâteaux da Loire(ampliación docastelo de Bloise construción docastelo de Chambord,ambos deDomenico da Cortona;SerlioeGilles le Bretonno propiocastelo de Fontainebleau;Pierre Lescotnodo Louvre;Philibert de l'OrmenasTullerías);[31]en España os escultoresAlonso Berruguete,Diego de Siloé,Jean de JoignyouGaspar Becerra,os pintoresLuis de Morales,Juan de Juanes,Navarrete o Mudo,Alonso Sánchez CoelloouJuan Pantoja de la Cruz,e os arquitectosPedro Machuca,Rodrigo Gil de Hontañón,Alonso de Covarrubiasou osVandelvira;no Flandres dividido polarevoluciónque trouxo areforma protestante,Quentin Matsys,Antonio MoroouKarel van Mander(oVasari do norte); e en AlemañaLucas Cranach o MozoouHans Holbein o Mozo(que terminou a súa carreira en Inglaterra); en Inglaterra,Inigo Jones.

O chamadoBaixo Renacemento españolcoincide co comezo dosséculos de ourodas artes.[35] TraloAlto Renacemento españolno que se incorporaron os modelos puristas ou clasicistasdo romano[36](Palacio de Carlos V,Catedral de Granada,Catedral de Xaén,Catedral de Baeza,Concello de Sevilla), no último terzo do séculoo XVI desenvolveuse un ambicioso programa propio de marcada orixinalidade, centrado noMosteiro do Escorial(Juan Bautista de Toledo,Gian Battista Castello,Francesco Paciotto,Juan de Herrera-cuxa forte personalidade faille habitualmente ser considerado principal autor- eFrancisco de Mora,1563-1586), que deu traballo a pintores italianos comoPellegrino TibaldieFederico Zuccaro,pero onde non tivo cabida, malia a súa xenialidade, un artista non apreciado porFilipe II:El Greco.

Véxase tamén:Arquitectura do Renacemento,Pintura do RenacementoeEscultura do Renacemento.

Século XVII e primeira metade do XVIII: Barroco, Clasicismo e Rococó[editar|editar a fonte]

Barroco[editar|editar a fonte]

Triunfo da Divina Providencia e cumprimento dos seus Fins baixo o pontificado de Urbano VIII,fresco de teito no Palacio Barberini, de Pietro de Cortona (1633-1639).
Artigo principal:Barroco.
Véxase tamén:Pintura barroca,Escultura barrocaeArquitectura barroca.

Na Italia de 1600 o intelectualismo manierista dá paso a unha arte máis popular: obarroco,que apela directamente aos sentidos, e en que se outorga un valor fundamental aos xogos de luz e sombra, a formas xeométricas sofisticadas (como aelipsee ahelicoidal), ao movemento, á violencia nos contrastes e á contradición entre a aparencia e a realidade. Desde o seu inicio dáse simultaneamente cunha tendenciaclasicistavisiblemente oposta.

A periodización do barroco permite identificar varias fases: un barrocotenebristaa comezos de século XVII, un barrocoplenooumaduronas décadas centrais do século, e un barrocotriunfanteoudecorativoa finais do século XVII, que se prolongou no século XVIII co denominadobarroco tardío,de imprecisa diferenciación corococó,estilo que tamén pode definirse baixo parámetros ben distintos.[37]

Os principais pintores italianos de tendencia barroca do século XVII foronCaravaggio,cuxa breve e escandalosa carreira iniciou unha verdadeira revolución pictórica (e a cuxo estilo denominase ás veces comocaravagismo,comotenebrismoounaturalismo); seguido poril SpagnoletoJosé de Ribera(valenciano cuxa obra realizou integramente en Nápoles),Pietro da Cortona(tamén arquitecto) eLuca Giordano(chamadoLuca fa prestopola súa rapidez de execución). O protagonista do triunfo das formas retortas do estilo barroco na clasicista Roma (onde osacadémicos de San Lucasmantiveron o dominio do gustoacademicistaen pintura) foi un verdadeiroartista completo:Bernini,que aplicou a escultura e arquitectura unha nova concepción sensitiva, case sensual (Éxtase de Santa Teresa,Baldaquino de San Pedro); aínda que tamén outros comoBorromini,os irmáns MadernoCarloeStefanoos FontanaCarloeDomenicodeixaron a súa impronta nunha cada vez máis fascinanteCidade Eterna,confirmada como centro da arte europea. A arte de todos eles foi un eficaz medio de propaganda (en plenaPropaganda FidedaContrarreforma) ao servizo da Igrexa Católica, que pretendía ocupar todos os espazos públicos e privados. A columnata daPraza de San Pedro de Romaábrese literalmente como un abrazo «á cidade e ao mundo»(urbi et orbi).[38]Outras cidades italianas desenvolveron programas máis modestos, pero non menos interesantes, como o emerxenteTuríndosSavoia,cos edificios deGuarino Guarini,ou outras comoLecce,Nápoles,Milán,Xénova,FlorenciaeVenecia.[39]

Véxase tamén:Pintura barroca de Italia,Barroco españolePintura barroca dos Países Baixos.

As institucións eclesiásticas locais e a católicaMonarquía Hispánica,especialmente co programa artístico e coleccionista deFilipe IV(Palacio do Bo Retiro,Salón de Reinos,Torre de la Parada),[40]que continuou malia as apreturas económicas dadecadenciae a difícil conxuntura do reinado deCarlos II,serán os principais clientes dunhaconstelación irrepetible de xenios da pintura:Ribera(en Nápoles);Ribalta,Velázquez,Murillo,Zurbarán,Alonso Cano,Valdés Leal,Claudio Coello(en España);Rubens,Jordaens(en Flandres). Incluso reclutaránse primeiras figuras italianas comoTiépoloeLuca Giordano.Aimaxinaríade madeira policromada chegou a cimas non igualadas conGregorio Fernández,Alonso de Mena,Pedro de MenaeMartínez Montañés.

Nos países protestantes, o barroco foi unha arte burguesa, de iniciativa privada, conpintores holandesescomoRembrandt,Johannes Vermeer,Frans HalsouRuysdael,que traballaban para o mercado libre.

En Inglaterra, cuxa peculiar situación socio-política-relixiosa era un intermedio entre as dúas alternativas da época, atopará o seu público un pintor do talle deAnton van Dyck.

En Francia, aínda que algúns pintores, como osirmáns Le NainouGeorges de La Tour,e escultores, comoPierre PugetouFrançois Girardonpoden con facilidade inscribirse dentro dos parámetros do barroco, a corrente dominante adscribiose aos canons do clasicismo.

Clasicismo[editar|editar a fonte]

Artigo principal:Clasicismo.
Véxase tamén:Pintura clasicista,Escola Boloñesa,Barroco e Clasicismo francéseBarroco inglés.

Asacademiasque se crearon, primeiro na Italia renacentista, e logo en España, Inglaterra e Francia, fixaron ungustoestético que poñía as normas codificadas polos tratadistas da arte por encima da fantasía creativa. Francia converteuse na segunda metade do século XVII no centro deste movementoclasicista,aínda que Italia a inspirase na súa primeira metade (Annibale Carracci,Guido Reni,Domenichino,Guercino,Accademia dei San Luca). Franceses foron o pintorNicolas Poussin,que pasou a maior parte da súa vida artística en Roma, ou o escultorJacques Sarazin.[43]

A máxima expresión doclasicismo francésfoi o programa artístico deseñado en torno aopalacio de Versalles,levantado nos arredores de París como peza clave dun máis amplo programa de enxeñería política e social para o asentamento damonarquía absolutadeLois XIV(pintores comoHyacinthe RigaudouCharles Le Brun,arquitectos comoLouis Le Vauou osMansart,escultores comoCoysevoxouPuget,e ata o deseñador de xardínsLe Nôtre).

A reconstrución tralogrande incendio de Londresde 1666 permitiu deseños urbanísticos e edificios singulares nos que predominaron criterios clasicistas, mentres as vilas campestres trazábanse con gustopalladiano.Vaise establecendo un gusto que determinará co tempo as diferenzas entre oxardín inglésartificiosamentenaturalistafronte á pureza formal das liñas doxardín francés.

Rococó[editar|editar a fonte]

Artigo principal:Rococó.

Aínda que a orixe do termo é despectivo, pretendendo ridiculizar a retorta decoración derocaillesecoquillespropia do tamén denominadoestilo Lois XVI,do mesmo xeito que co manierismo, o rococó terminouse por definir como un estilo autónomo, e do mesmo xeito que a aquel, unha exposición organizada poloConsello de Europaoutorgoulle definitivamente o prestixio historiográfico (Múnic, 1958).[44]

Ao longo dos dous primeiros terzos do século XVIII, os palacios que se levantaron a imitación do de Versalles por toda Europa a maior gloria dasmonarquías absolutasen proceso de converterse endespotismos ilustrados(Palacio Real de MadrideLa Granjaen España,Palacio de InvernoePalacio de CatarinaenSan Petersburgo,SchönbrunnenViena,SanssoucienPrusia,ZwingerdeDresden,LudwigsburgenWürttemberg,AmalienborgenCopenhague,CasertaenNápoles-en Inglaterra non houbo palacios versallescos, o máis importante dos edificios do século XVIII foi oPalacio de BlenheimdeJohn Vanbrugh,prolongación do barroco clasicista inglés e anticipador do neoclasicismo-[45]) encheron os seus espazos interiores cunha arte intimista, privada e mesmo secreta, de gran sensualidade, representado na pintura francesa porWatteau,Maurice Quentin de La Tour,BouchereFragonard;e no exquisito coidado posto na confección e instalación deporcelanas(a gran novidade tecnolóxica da época, que ocupou a algúns dos mellores escultores:Meissen-Johann Joachim Kändler-,Augarten,Nymphenburg-Franz Anton Bustelli-,Berlín,Vincennes,[46]Sèvres―Étienne-Maurice Falconet―,[47]Lomonosov,[48]Chelsea,[49]Bo Retiro,L'Alcora,[50]etc.), cristais (La Granja),reloxos(Real Fábrica de Relojes),moblesetc. Oestucopasou a ser un material moi utilizado para a confección de complexos espazos arquitectónico-escultóricos (Giacomo Serpotta); mentres que opastelen pintura (Chardin) e aterracotaen escultura (Clodion) convertéronse nas técnicas preferidas para o consumo dun gran mercado demandante de pezas pequenas e elegantes. Osvedutistiitalianos, sobre todo os venecianosCanalettoeGuardi,víronse estimulados pola continua demanda dos primeirosturistasaristocráticos que percorrían o circuíto artístico europeo (oGrand Tour).

Ao mesmo tempo, en contornas máis públicas, a pintura inglesa realizaba propostas estéticas semellantes coasconversation piecese a pintura satírica deHogarth(que tamén reflexionou teoricamente sobreA curva da belezapredominante na arte rococó -aserpentine,serpentinataou sigmoidea-),[51]a elegante despreocupación dos retratos e paisaxes deGainsborough;a prolongación no tempo do denominadoalto barroco alemándescompoñía os espazos interiores das igrexas (púlpitos, altares, alicerces, bóvedas) facendo que a extravaxante decoración se convertese no único elemento estrutural visible;[52]mentres que ochurriguerescoespañol retorcía a fantasía barroca ata o límite eSalzillocontinuaba a tradición imaxineira. Oscartóns de Goya,a pesar da súa datación na segunda metade do século, inclúense nun gusto artístico semellante ao rococó, mostra da súa pervivencia nun momento en que acrise do Antigo Réximeenfrontaba esegusto aristocráticocoa racionalidade e sobriedadeburguesaque se impoñía naRevolución francesa(1789).

Segunda metade do século XVIII e primeiro cuarto do XIX: Neoclasicismo e Prerromanticismo[editar|editar a fonte]

Artigos principais:NeoclasicismoePrerromanticismo.
Véxase tamén:Estilo Luís XVI,Estilo directorioeEstilo imperio.

A mediados do século XVIII desatouse unha verdadeirafebre arqueolóxicaque culminou co descubrimento das ruínas dePompeiaen 1748. O coñecemento do mundo antigo revisouse con novos criterios establecidos intelectualmente por tratadistas, académicos, críticos e historiadores da arte. Uns orientaron o gusto nun sentido clásico (Milizia,Mengs,Winckelmann,Diderot,Quatremère de Quincy) e outros nun sentido que preludia oromanticismo,oneogóticoe oshistoricismosdo século XIX (Walpole,Lessing,Goethe). A oposición entre a sensibilidade neoclásica e a romántica pasou a ser un tópico cultural, reforzado por aparatosos enfrontamentos xeracionais como o que supuxo a chamadabatalla de Hernani(Comédie-Française,28 de febreiro de 1830, cando o público da obra deVictor Hugoenfrontouse, dividido entre osChevelus-mozos melenudos, románticos- e osGenoux-vellos calvos, neoclásicos-) ou osalón de Parísde 1819 no que se enfrontaron os partidarios do morboso romanticismo daBalsa da Medusa(Géricault) cos da pulcritude neoclásica dePigmalión e Galatea(Girodet-que foi quen levou o premio-).

Con todo, en realidade, o neoclasicismo é tamén unha estéticarevolucionaria,e tivo a súa propia ruptura xeracionalxuvenilna exhibición doXuramento dos HoraciosdeJacques-Louis Davidno salón en 1785 (o escándalo da súa relaxación polos académicos, obrigou a modificar o seu lugar na exposición; e estendeuse a súa lectura política, en clave pre-revolucionaria). O romanticismo literario, pola súa banda, foi a opción estética dosreaccionarios(Chateaubriand). Ata tal punto a convivencia da sensibilidade neoclásica e a romántica era posible que, para denominar aarquitectura neoclásicada primeira metade do séculoxixpropúxose utilizar o termoclasicismo romántico,a pesar dooxímoro(oposición de termos), dado que, ademais de coincidir no tempo estilisticamente comparte trazos coa estética romántica, ao engadir certa expresividade e espírito exaltado á sinxeleza e claridade das estruturasclásicas grecorromanas.[53]

Na segunda metade do século XVIII foron habituais os deseños desalóns urbanosde tradición barroca, pero sometidos a novas convencións. A destrución daPraça do Comérciode Lisboa poloterremoto de 1755permitiu a súa reconstrución como un espazo aberto sometido aos canons clásicos. En Madrid, oPaseo do Prado(desde 1763) reuniu un impresionante conxunto arquitectónico e escultórico proxectado principalmente porJuan de Villanueva(Museo do Prado,fonte de Cibeles,fonte de Neptuno,Xardín Botánico,Observatorio do Retiro). Baixo os criterios daarquitectura xeorxianatrazouse o urbanismo deBath(Royal Crescent,John Wood,1767-1774). Cunha concepción moito máis neoclásica, enMúnicdeseñouse aKönigsplatze os seus edificios, deKarl von FischereLeo von Klenze(desde 1815). Mentres a arquitectura alemá e inglesa optaban por un historicismo neogreco, a francesa, sobre todo conNapoleón,optou polos modelos romanos (Igrexa de la Madeleine,concibida polo propio emperador para Templo á Gloria daGrande Armée,e que reproducía o modelo daMaison CarréedeNîmesproxectada polo arquitectoPierre Contant d'Ivry,1806).[53]

No mundo anglosaxón, opalladianismo,arquitectura devilastriunfante en Inglaterra desde finais do século XVII, estendeuse aos Estados Unidos recentemente independizados. A cerámica deJosiah Wedgwoodtivo un grande impacto, sendo divulgador das formas neoclásicas a través das siluetas puras e baixorrelevos deJohn Flaxman.En Francia,arquitectos visionarioscomo*Étienne-Louis BoulléeeClaude Nicolas Ledouxexpuxeron edificios baseados na combinación espectacular das formas xeométricas, mentres que a corrente dominante fixou un neoclasicismo máis sobrio (Ange-Jacques Gabriel,Jean Chalgrin,Jacques-Germain Soufflot). En España a crítica académica (Antonio Ponz,Real Academia de Belas Artes de San Fernando) cebouse co denuesto da arquitectura barroca, cuxas formas retortas dan paso á pureza de liñas deVentura RodríguezouJuan de Villanueva.

CanovaeThorvaldseninterpretan o novo gusto do denominadoestilo imperionunha escultura neoclásica de alta perfección formal. En canto á evolución da pintura, en AlemañaRungeeFriedrich;en InglaterraJoshua Reynolds,Henry Fuseli,William Blake,ConstableeTurner;en FranciaJacques Louis David,François GérardeIngres,e en España a excepcional figura deGoya,pechan o século XVIII e abren o XIX.

Véxase tamén:Arquitectura neoclásica,escultura neoclásicaepintura romántica.

Arte noutros espazos da civilización occidental[editar|editar a fonte]

Arte colonial, hispanoamericano ou indiano e hispanofilipino[editar|editar a fonte]

Artigo principal:Arte colonial hispanoamericano.

Aarte colonial hispanoamericanaou arte indiana[54]presenta no período da Idade Moderna a mesma sucesión de estilos que a arte europea, dado que acolonización española de Américasupuxo o final da produción das representacións artísticas daarte precolombiana,e en moitas ocasións mesmo a destrución física das obras de arte anteriores. Ata o mesmo trazado urbano das cidades impúxose de nova planta, cun plano ortogonal no que apraza de armasacollía os edificios civís e relixiosos principais. Con todo, as características autóctonas perviviron, aínda que só fose como un substrato (ás veces literalmente, como naPraza das Tres Culturasde México ou nos muros incaicos que serven de zócolo a construcións posteriores). En moitos casos produciuse un verdadeirosincretismocultural, do mesmo xeito que narelixiosidade popular.Produciuse unha síntese entre os estilos europeos e as antigas tradicións locais, xerando unha simbiose que deu un aspecto moi particular e característico á arte colonial.

As súas principais mostras producíronse nos dous centrosvicerreinaisde máis relevancia:Vicerreinado de Nova España(barroco novohispano) eVicerreinado do Perú(escola cuzqueñade pintura). En pintura e escultura, nas primeiras fases da colonización foi frecuente a importación de obras de arte europeas, principalmente españolas, italianas e flamengas, pero enseguida comezou a produción propia, que incorporou trazos inequivocamente americanos ás convencións dos distintos xéneros artísticos.

Os contactos transoceánicos deMéxicoconFilipinas(Galeón de ManiladesdeAcapulco) deron orixe a outro particular sincretismo detectable nalgunhas obras a ambos os dous lados doocéano Pacífico,especialmente na cerámica, nosbiombosou nos cristos crucificados e outras figuras enmarfilcon trazos orientais, denominados marfil hispano filipino, aínda que algúns se fixeron no mesmo México. Tamén se produciron, nun contexto equivalente, marfil luso indio.[55]

Arte ruso[editar|editar a fonte]

Artigo principal:Cultura de Rusia.
Véxase tamén:Arquitectura de RusiaePintura de Rusia.

A cultura e aarte rusa,do mesmo xeito que asculturas eslavasdosBalcánseUcraína,definiuse ao longo daIdade Mediacunha forte influencia daarte bizantina,e esa influencia continuou mesmo posteriormente ácaída de Constantinopla,coincidindo coa construción do estado ruso ao redor da figura dotsarcomo continuidade da figura dobasileuse a imaxe de Rusia como unhaTerceira Roma.

A produción deiconase ailuminación de manuscritoscontinuaron nos séculos daIdade Modernacon similares convencións e trazos estereotipados aos do Bizancio medieval. Co programa de occidentalización dePedro I o Grande,a partir de finais do século XVII envíase a pintores locais a aprender a Italia, Francia, Inglaterra e Holanda, e contrátase a pintores deses mesmos países.

A arquitectura, aínda que continuou influenciada principalmente polaarquitectura bizantinanos primeiros séculos da Idade Moderna, presenciou a introdución de tendencias renacentistas por artistas italianos comoAristóteles Fioravanti(1415-1486), que antes traballara paraMatías Corvinoen Hungría. As construcións da época tiveron unha gran capacidade de inclusión de múltiples elementos (tellados de faldrónde orixe asiática, ascúpulas bulbosasde orixe bizantino), todo iso reinterpretado con gran fantasía e colorido, como naCatedral de San Basilioe o «estilo flamante» da ornamentación deMoscovaeIaroslavlno século XVII. Cara a 1690 fálase dunbarroco moscovita(Francesco Bartolomeo Rastrelli). Durante o século XVIII a occidentalización faise cada vez máis profunda, culminando no programa de construción deSan Petersburgocon criterios neoclásicos.[56]

Arte oriental[editar|editar a fonte]

Aarte orientaldefiniuse como concepto por contraposición coaarte occidentale mediante estudos realizados porhistoriadores da arteoccidental, seducidos precisamente pola súaalteridade.Oexotismoromántico dexenerou nunorientalismoen boa medida mixtificador.

Como principio xeral, e a pesar da súa multiplicidade, a arte oriental considérase máis estable no tempo que o occidental da Idade Moderna, suxeito aos continuos bandazos na sucesión de estilos. Especialmente estable foi aarte de Extremo Oriente,repetición de modelos fixados naarte antigadas súas civilizacións; mentres que aarte islámica(en boa medida, a dunha civilizaciónsincréticae transmisora, tanoccidentalcomooriental,que tivo a súaidade de ouronaarte medieval) e aarte da Indiaforon máis sensibles a todo tipo de influencias, provenientes tanto do leste como do oeste.[58]

Arte islámica[editar|editar a fonte]

Artigo principal:Arte islámica.

Arte africana-islámica[editar|editar a fonte]

Véxase tamén:Arte africana.

O espazo africano, a pesar da súa situación xeográficaoccidental,achábase en boa parte na órbita cultural e artística doPróximo Orientee a civilización árabe-islámica, especialmenteExiptoe oMagreb(termo que significa precisamenteoccidenteen árabe). O mesmo pode dicirse de grandes partes da África oriental, fóra deEtiopía,que se mantivo como reino cristián.

Tombouctoufoi o principal centro da cultura islámica no espazo subsahariano desde finais da Idade Media, coImperio Songai,sucedido pola ocupación marroquí desde o século XVI.

Outras zonas da África occidental e meridional continuaron coa súa dinámica cultural ancestral, aínda que sometidas ao impacto negativo da expansión europea e árabe (colonización directa dos principais portos e impulso ao tráfico de escravos, que modificou profundamente as entidades políticas e redes sociais e culturais indíxenas).

Notas[editar|editar a fonte]

  1. ↑History of french furniture.
  2. ↑As ideas xerais desta introdución son ampliamente compartidas pola historiografía en moi distintos ámbitos:Rodney Hilton(ed.):La transición del feudalismo al capitalismo;Perry Anderson:El estado absoluto;Fernand Braudel:El Mediterráneo y el mundo mediterráneo en tiempos de Felipe II;Ruggiero RomanoeAlberto Tenenti:La formación del mundo moderno;Immanuel Wallerstein:El moderno sistema mundial;Carlo Cipolla:Cañones y velas;Arnold Hauser:Historia social de la literatura y el arteetc.
  3. ↑Johan Huizinga,op. cit.
  4. ↑Jonathan Brown:«España na era das exploracións: Unha encrucillada de culturas artísticas», enReyes y mecenas(catálogo da exposición, Museo de Santa Cruz de Toledo, 1999), páx. 113-114:
    A práctica de dar aos diversos estilos artísticos os nomes dos monarcas reinantes aplicouse ao parecer por vez primeira, á arte francesa dos séculos XVII e XVIII, en que a maior parte da produción artística saía dos talleres reais. Esta forma de patronazgo sistemático, efecto secundario do absolutismo establecido por Luís XIV, non estaba ao alcance doutros monarcas menos poderosos de fins da Idade Media e o Renacemento, que tiñan que *regatar o poder cos seus vasalos. Así pois, en España, como no resto da Europa do século XV, a uniformidade foi a excepción tanto na arte como na política. A amálgama artística do período isabelino, ademais, foi de singular riqueza, reflectindo tres influencias: un estilo tardogótico con orixe en Alemaña e Países Baixos, un estilo clasicista procedente de Italia e o estilo islámico da poboación mourisca e mudéxar da propia Península Ibérica. Coexistiendo a miúdo nos mesmos monumentos, estas correntes estilísticas foron aplicadas á creación dunha arte complexa e peculiar.
  5. ↑Fernando Checa:«Poder y piedad: patronos y mecenas en la introducción del Renacimiento en España», enReyes y mecenas,op. cit.,páxs. 21 y 22:
    o italianismo renacentista (...) imponse en toda Europa [pero] os paradigmas vasarianos de Florencia e Roma non funcionaron como tales nin en Europa nin nos reinos hispánicos, onde, á beira da recepción por algúns artistas e mecenas de modelos florentinos leonardescos ou de Ghirlandaio, pareceu sentirse unha certa preferencia polos exemplos que procedían de Ferrara, Padua e outras cidades do norte de Italia
  6. ↑BiografíaArquivado13 de xullo de 2013 enWayback Machine.en torrijos.es;Escultura góticaArquivado04 de setembro de 2012 enWayback Machine.en ciber-arte;TesisArquivado14 de agosto de 2014 enWayback Machine., pág. 452.
  7. ↑Stukembrok y Töpper,op. cit.The Working Stiff in Art: The Portinari Altarpiece.
  8. ↑Exposición homónimaen el Museo del Prado, 1998.
  9. ↑Ficha en ArtehistoriaArquivado10 de marzo de 2010 enWayback Machine..
  10. ↑«Da Messina, Antonello»Arquivado10 de decembro de 2007 enWayback Machine., artigo en GER
  11. ↑
    Cara a 1475 os dúas cidades comezan un importante intercambio de tecnoloxías. Por un lado, o óleo pasa a Italia; por outro, a forma italiana, a figura humana, pasa a Flandres. Na súa fase primitiva, a pasaxe de tecnoloxías é por trasfego directo. Os viaxeiros a Italia -Van der Weyden, Michel Pacher, Van der Goes ou Dürer- ou os viaxeiros a Flandres -Antonello da Messina- realizan o trasfego necesario para a fusión. Nos talleres importantes dun e outro lado realízase a mestura das artesanías: o taller Bellini en Venecia, o taller Dürer en Nürnberg, o taller Holbein en Augsburg, o taller Metsys en Antuerpen. A difusión do óleo flamengo e a forma italiana marca o fin do segredo dos artesáns pintores. Cara a 1525 o taller medieval cumpriu o seu ciclo e agoniza definitivamente. A artesanía nova é divulgada mediante libros. Entre 1470 e 1490 Pierodella Francesca escribe o seuDe prospectiva pingendipero permanece inédito practicamente ata o presente século; en 1505 Johannes Viator (Jean Pélerin) publicaDe artificiali perspectiva;en 1509 Luca Pacioli publicaDe divina proportione;da mesma época é oTrattato della pitturade Leonardo pero non será publicado ata 1551; en 1525 publica Dürer o seuUnderweysung der messung mitdem zirkel und richtscheyte posteriormente, en 1528, o seuVier Bücher von Menschlicher Proportion.Pecha este ciclo a obra de VasariLe vite1550, o primeiro estudo histórico sobre a pintura renacentista.
    Albrecht Dürer en la historia del arte,Juan Grompone, páxs. 31-32
  12. ↑«Descoñécese a natureza da innovación concreta de Van Eyck, pero non hai dúbida de que foi o autor dunha revolución das técnicas da pintura ao óleo en Europa, xa que a dotou de maior flexibilidade, un colorido máis rico e denso, unha gama máis ampla de claros e escuros e unha transición e mestura sutís dos tons. Dende a súa época, empezaron a ser explotadas as grandes posibilidades deste método, que gañaron en popularidade ao tempero,». Chilvers, 'op.cit. ' ' voz «óleo, pintura ao» páx. 515. «O impedimento que significaba non dispoñer do óleo era comparable ao impedimento de non coñecer a forma. Da fusión das dúas grandes conquistas dos madeiros italianos e flamenGos nacerá finalmente a síntese renacentista». Grompone,op. cit.
  13. ↑Master of the Saint Lucy Legend at Artcyclopedia;Master of the Saint Lucy Legend.Fontes citadas enen:Master of the Legend of Saint Lucyda Wikipedia en inglés.
  14. ↑Master of the Embroidered Foliage at Artcyclopedia;Exhibition on Master of the Embroidered Foliage at Clark Art Institute, WilliamstownArquivado31 de marzo de 2016 enWayback Machine.. Fontes citadas enen:Master of the Embroidered Foliageda Wikipedia en inglés.
  15. ↑Chilvers, Osborn e Farr, 'op. cit', voz «Mestre de...» e siguientes.
  16. ↑Grompone, 'op. cit.
  17. ↑Venetian Gothic.Arquivado08 de xuño de 2011 enWayback Machine.Fonte citada enen:Venetian Gothic architectureda Wikipedia en inglés.
  18. ↑"Pietro Cavallini in Naples".Arquivado dendeo orixinalo 11 de xuño de 2011.Consultado o 15 de xaneiro de 2015.
  19. ↑O termorenacemento,tanto en orixe do seu uso como na súa precisa localización cronolóxica, non é un concepto unívoco. Aínda que habitualmente a historiografía da arte utilízao para os séculos XV e XVI en Italia, e por extensión ao resto de Europa; os textos que acuñaron o termo acoutábano de forma diferente:Vasari(Vite...,1550) comezaba con Cimabue (século XIII);Jules Michelet(Histoire de France1855) localizabao entre Colón e Galileo (1492-século XVII); eJacob Burckhardt(Die Kultur der Renaissance in Italien,1860) referíase ao período entre Giotto eMichelangelo(do XIV á primeira metade do XVI). Establecer o momento inicial a mediados de século XV é moi habitual:Anthony BluntTeoría de las artes en Italia de 1450 a 1600(1940).
  20. ↑As portas norte realizáronse entre 1401 e 1422 e as portas este, tras unha segunda adxudicación, entre 1425 e 1452.
  21. ↑Estabeleceu as convencións formais do modelo catrocentista depalacio florentino,que desenvolveron oPalazzo Rucellai(Leon Battista AlbertieBernardo Rossellino,1446-1451) e oPalazzo Pitti(Luca Fancelli,discípulo deBrunelleschi,1458). O modelo de palacio urbano medieval era oPalazzo Vecchio,de aspecto acastelado.
  22. ↑
    Antonello de Messine, en possession du secret par lequel Jean de Bruges avait rendu plus facile l'emploi de la peinture à l'huile, le porta à Venise vers 1450, tandis que Dominique le fit connaître à Florence..
    [1]
    Nese entón traballaba en Flandres, Xoán de Bruxas (Van Eyck), quen se puxo a experimentar con diversas clases de cores e como lle apaixonaba dedicarse á alquimia, preparou moitos aceites para facer vernices, poñendo unha táboa a secar ao sol, a cal cuarteó, e vendo o dano producido pola calor, resolveu atopar o medio de solucionalo, secando á sombra e logo de realizar moitos ensaios con substancias puras ou mesturadas entre si, atopou finalmente que o aceite de linaza e o de noz, eran os máis secantes. Estes, pois, fervidos con outras das súas mesturas, produciron o verniz que el e todos os pintores desexaran largamente. Logo viu que si se aglutinaban as cores con esta clase de aceite, dáballes unha gran solidez e que, secos, non só resistian á auga, senón que se volvían moi intensos e brillantes de seu; sen necesidade de vernizalos. E o máis marabillosos era que se mesturaban infinitamente mellor que ao temple. Durante algún tempo, Xoán non quixo que ninguén o vise traballando, nin tampouco lle quixo ensinar a ningún o seu segredo; pero ao envellecer confiouno ao seu discípulo Rogelio Van Der Weyden. Mais aínda que os mercadores compraban as súas obras e o invento difundiuse non só en Flandres, senón en Italia, non se coñecía o método de executalos, e o misterio fóra de Flandres non foi descuberto durante longos anos. Antonello da Messina (naceu a principios do século XV en Messina e faleceu en 1479), moi diestro no seu oficio de pintor e habendo sabido que ao rei Afonso I de Nápoles, chegoulle unha táboa pintada a óleo por Xoán, el como moitos outros pintores, foi vela e encomiala, pois podíase lavar e resistía calquera golpe; así é que cando conseguiu vela, tiveron tanta influencia nel a vivacidade das cores e a beleza e harmonía daquela pintura, que esquecendo calquera outro asunto ou pensamento, foise a Flandres; e chegando a Bruxas, con obsequios de debuxos italianos fíxose moi amigo de Xoán, a tal punto que por consideración a Antonello, xa ancián, consistiu en que este vise como procedía para pintar ao óleo; e non saíu o italiano de devandita cidade, antes de aprender moi ben o método que tanto desexaba coñecer. Habendo morto Xoán pouco despois, Antonello volveu á súa patria e deu ao mundo participación en tan útil, belo e cómodo segredo.
    [2]
  23. ↑
    A síntese das dúas correntes de pintura realízase entre 1475 e 1535. Non coñecemos exactamente os transportadores do óleo a Italia. A tese Antonello non é demasiado sostible. A transferencia dun coñecemento celosamente gardado pola escola de Van Eyck debe ocorrer do mesmo xeito que ocorre a difusión da imprenta. Trátase dun segredo demasiado importante para que permaneza gardado por unha corporación medieval. A súa difusión é incontenible e adopta a forma dunha avalancha, con mil frontes e mil fisuras.
    Grompone,op. cit.
  24. ↑Martín González,op. cit.108-120.
  25. ↑Anteriormente,Donatellorestablecera o modelo deestatua ecuestrecoCondottiero Gattamelata(1447-1453), inspirado na antigaestatua ecuestre de Marco AureliodoCapitolio romano.
  26. ↑Renacimiento clásicoArquivado26 de marzo de 2010 enWayback Machine.en Artehistoria.(encastelán)
  27. ↑James William Pattison:The world’s painters since Leonardo; being a history of painting from the Renaissance to the present day.Da a esta escola unha acoutación temporal entre 1452 e 1564.
  28. ↑Fernández, Barnechea y Haroop. cit,pág. 236.
  29. ↑A definición domanierismoinicialmente fíxose de forma pexorativa: como unha fase decadente do renacemento, carente de originalidad. Desde mediados do século XX prodúcese unha revalorización da arte da época (exposición de 1955 noRijksmuseumde Ámsterdam organizadda poloConsello de Europa) e comézase a definir o manierismo como un estilo autónomo (Arnold Hauser,op. cit.eEl manierismo,1965). Fontes citadas por Fernández, Barnechea e Haro,op. cit.,páx. 263.
  30. ↑Iniciado porAntonio da Sangallo o Mozoen 1514 cos criterios catrocentistas dopalacio florentino,Michelangeloprosigue as obras entre 1546-1549 e posteriormenteVignolaeGiacomo della Portahasta 1589. É o modelo depalacio romanodo Cinquecento.
  31. ↑Martín González,op. cit,t. II, pág. 33-34
  32. ↑"Ficha en Artehistoria".Arquivado dendeo orixinalo 06 de xaneiro de 2010.Consultado o 17 de abril de 2015.
  33. ↑"Ficha en Artehistoria".Arquivado dendeo orixinalo 13 de abril de 2009.Consultado o 17 de abril de 2015.
  34. ↑O cuadro, naReal Academia de Belas Artes de San Fernando,non está datado (na páxina web dsa institución). Unha versión similar, doMuseo de Belas Artes de Bilbao,está datada en 1560 (por ese museo).
  35. ↑As denominacionesAlto RenacementoeBaixo Renacementoreferidas a España dividen o século XVI nos dous terzos iniciais (para oAlto,que tamén englobaría o último cuarto do século XV) en que se suceden os estilosestilo Reis Católicos(ou Isabelino),estilo Cisneros,PlaterescoePurista(ou Romanista); e o último terzo (para oBaixo), que tamén se cualifica deManierismo español(véxase Fernández, Barnechea y Haro,op. cit). A periodización é diferente noutros autores, dándose definicións comofase serlianapara o período 1530-1560 (porSebastiano Serlio) efase clasicistapara o período 1560-1630 (José Miguel Muñoz JiménezEl manierismo en la arquitectura española(IArquivado02 de febreiro de 2009 enWayback Machine.eIIArquivado05 de xullo de 2009 enWayback Machine.). A discusión sobre o adecuado da etiquetamanieristapara o caso español leva ata á utilización de termos comoantimanierismo, pseudomanierismo, contramaniera... omanierismo trentino(Camón Aznar,citado porSviatoslav SavvatieyevA propósito del problema del manierismo en la pintura españolaArquivado27 de xuño de 2011 enWayback Machine.).
  36. ↑Diego de SagredoLas Medidas del Romano,1526. Na España da década de 1530 o romano impúxose ao moderno, términos da época que designaban, respectivamente, o Renacemento e ao Gótico, pois considerabase que o primeiro volvía á Antigüidade romana e o segundo era máis actual (Maroto,op. cit.,pág. 195).
  37. ↑A definición do barroco e as súas distintas fases, desde a súa caracterización como estilo porHeinrich Wölfflinfoi obxecto de moi diferentes reinterpretacións, véndose incluso como unha fase de complicación e crise que presentarían todos os estilos artísticos (Eugenio D'Ors), mentres que a súa denominación inicial é unha incógnita (adoita relacionarse coa palabra portuguesa que significa ‘perla irregular‘ ou coa italiana que significa ‘razoamento retorto‘, por un tipo de siloxismo falso). As datas e fases, así como a identificación ou non do rococó co barroco final adoitan indicarse de forma moi diferente nos manuais de historia da arte (véxase bibliografía xeral; por exemplo Palomeroop. cit.,páx. 287. As denominacións cambian para cada país: por exemplo, en Alemaña fálase dunalto barrocooubarroco alemánpara o período final do século XVII e o comezo do XVIII (Fernández, Barnechea e Haro,op. cit., páx. 287).
  38. ↑Roma barrocaen Artehistoria.
  39. ↑El arte en los centros periféricosTurín, urbanismo y arquitectura como afirmación políticaeGeometría y fantasía en la arquitectura de Guarinien Artehistoria.
  40. ↑John H. ElliotteJonathan Brown(1980)Un palacio para un rey,Taurus,ISBN 84-306-0524-X
  41. ↑Noutra praza madrileñaatopase aestatua ecuestre de Filipe IV,do mesmo escultor (1634-1640), realizada a partir de esbozos deVelázqueze de atrevida postura, que necesitou dos cálculos físicos deGalileo Galilei.
  42. ↑Ficha en Artehistoriade otro Cristo yacente de la misma serie.
  43. ↑La escultura francesa del siglo XVIIen Artehistoria.
  44. ↑Fernández, Barnechea y Haro,op. cit.,páx. 343
  45. ↑Conti,op.cit.,pág. 11
  46. ↑Tamara Préaud (ed.):Porcelaines de Vincennes: les origines de Sèvres,catálogo da exhibición, Grand Palais, outubro de 1977 - xaneiro de 1978. Sassoon, Adrian, 1991.Catalogue of Vincennes and Sèvres Porcelain in the J. Paul Getty Museum (Malibu)1991ISBN 0-89236-173-5.Fontes citadas enVincennes porcelainda Wikipedia en inglés.
  47. ↑Manufactura de Sèvres.Fuente citada enManufacture nationale de Sèvresda Wikipedia en francés eManufacture nationale de Sèvresda Wikipedia en inglés.
  48. ↑Imperial Porcelain Manufacture.Fonte citada enImperial Porcelain Factoryda Wikipedia en inglés.
  49. ↑F. Severne McKenna,Chelsea Porcelain: The Red Anchor Wares,1951. F. Severne McKenna,Chelsea Porcelain: The Gold Anchor Wares,1952. Fontes citadas enChelsea porcelain factoryda Wikipedia en inglés.
  50. ↑Recensiónda exposición no Museo Arqueolóxico Nacional (2006).
  51. ↑The serpentine lineque describe comobeing composed of two curves contrasted(composta de dúas curvas contrastadas), forma particularmente bela quegives play to the imagination and delights the eye(da xogo a imaxinación e deleita o ollo).The Analysis of Beauty(1753), citado porPerry, Gill; Gill (1999).Yale University Press,ed. "Academies, Museums and Canons of Art:" (Nota de prensa). Art and its Histories. "Mere face painters?" Hogarth, Reynolds and ideas of academic art in eighteenth-century Britain. New Haven e Londres: Cunningham Colin Perry (eds.).ISBN0 300 07743 2..Flavio ContiCómo reconocer el arte Rococó,1978 Rizzoli (ed. española deJosé Milicua,1980ISBN 84-85298-48-9), pág. 11-12.
  52. ↑J. Palomoop. cit.;Conti,op. cit.,páx. 37 e ss.
  53. ↑53,053,1J. Marotoop. cit.pág. 290-291.
  54. ↑Emilio Gómez Piñol:«El arte indiano del siglo XVII: del orden visual clásico al “océano de colores” »,1991.
  55. ↑Era notoria a arte indíxena, mesturada con estilos e influencia oriental que viñan desde China, Xapón e Filipinas... un exemplo é a louza da Poboa cuxos orixes son a cerámica de China e Xapón.(Los productos de la Sierra Negra,páx. 41).Biombos de influencia oriental(Espinosa spínola, G.El arte hispanoamericano: estado de la cuestión,2004, páx. 11).A influencia oriental... México foi un dos primeiros vicereinatos consumidores de luxos que logrou establecer unha vía comercial directa con China a partir de 1565 mediante a navegación regular entre Acapulco e Manila, desde onde recibiu unha influencia máis forte que o resto de América.(El mueble novohispano,pág. 22).A maioría das tallas relixiosas de marfil mexicanas non se fixeron en México. Tallábanse por encargo e seguindo modelos europeos na China continental e nos asentamentos chineses de Filipinas. levabanos logo a Acapulco (México) no galeón de Manila e, de aí, distribuíanse a España e outros lugares de América. Estas imaxes coñécense tamén como marfiles hispano filipinos e, mesmo, como marfiles luso indios (os portugueses tamén fixeron tallas similares nas súas colonias da India). Existen algúns traballos esporádicos feitos na Nova España (México). Realizáronse nos séculos XVI, XVII e XVIII.Cristos de marfil (México)Arquivado29 de marzo de 2009 enWayback Machine..
  56. ↑La Tercera Roma,en Artehistoria.
  57. ↑William Brumfeld, Landmarks of Russian Architecture: A Photographic Survey (Documenting the Image, Vol 5)(Amsterdam: Overseas Publishing Association, 1997), p. 95. Fuente citada enen:Postink Yakovlev.
  58. ↑Michael Sullivan,The Meeting of Eastern and Western Art,University of California Press;Rev Exp Su edition (1 de xuño de 1989),ISBN 978 0520059023;Asian Art at the Metropolitan Museum of Art.Fuentes citadas enen:Eastern art historyde la Wikipedia en inglés.
  59. ↑O uso como material construtivo de terra e materiais orgánicos (madeira, palla e outras fibras), fai que realmente o seu aspecto actual sexa o resultado do seu mantemento e modificación constante a través dos séculos.

Véxase tamén[editar|editar a fonte]

Bibliografía[editar|editar a fonte]

  • GALLEGO, RaquelHistoria del Arte,EditexISBN 978-84-9771-107-4
  • GÓMEZ CACHO, X. e outros (2006)Nuevo Arterama. Historia del Arte,Barcelona: Vicéns Vives,ISBN 84-316-7966-2
  • Grupo ÁgoraHistoria del Arte,Akal,ISBN 84-460-1751-2
  • MAROTO, J.Historia del Arte,Casals,ISBN 978-84-218-4021-4
  • MARTÍN GONZÁLEZ, Juan José (1974)Historia del Arte,Madrid: Gredos (edición de 1992)ISBN 84-249-1022-2
  • PALOMERO, JesúsHistoria del Arte,Algaida, 84-8433-085-0
  • STUKENBROCK, Christiane e TÖPPER, Barbara (2000)1000 obras maestras de la pintura europea del siglo XIII al XIX,Könemann,ISBN 3-8290-2282-4
  • Enciclopedias da Historia da Arte:
  • Summa Artis,de Espasa Calpe
  • Ars Magna,de Planeta
  • Series documentais:

Ligazóns externas[editar|editar a fonte]

Traído desde «https://gl.wikipedia.org/w/index.php?title=Arte_da_Idade_Moderna&oldid=6765307»