Storia della musica

Lamusicaè un'espressione artistica appartenente a tutte leculturedel nostro pianeta. Fonti ne attestano l'esistenza almeno a partire da 55 000 anni fa, con l'inizio delPaleolitico superiore.Alcuni studiosi ipotizzano la sua nascita inAfrica,quando leprime comunità umaneconosciute iniziarono a espandersi sul globo.Lastoria della musicaè una branca dellamusicologiae dellastoriache studia lo sviluppo cronologico delle idee e delle convenzioni musicali appartenenti apopolidifferenti, con particolare riguardo allamusica d'artedi tradizioneoccidentale,ed è pertanto materia diffusa, sia nelleuniversitàche nellescuole di musicadi tutto il mondo.

Periodizzazione

La suddivisione standard della musica si basa sulle epoche storiche, correnti artistiche e culturali parallele alla musica.

Musica preistorica

Trovato inSlovenia,ilflauto di Divje Babeè a oggi considerato da alcuni il più antico strumento musicale conosciuto, risalente a oltre 40 000 anni fa.

Unmridangam,tamburo dell'India

Il problema della determinazione dell'epoca che ha visto nascere le prime forme di espressione musicale è ovviamente connesso con la definizione che si sceglie di adottare per la parola musica. Mentre, infatti, per un sistema teorico di organizzazione dei suoni, collegato a precisi riferimenti estetici, dobbiamo attendere l'antica Grecia,per la prima comparsa di specifici elementi, come la produzione volontaria, anche tramite strumenti, disuonida parte dell'uomo, dobbiamo risalire alpaleolitico.

Nel 2008, in Germania, nel sito della grotta di Fels (Hohle Fels), lo staff dell'archeologoNicholas Conardha ritrovato un flauto ottenuto da un osso di avvoltoio, datato 40 000 anni fa.

Alcune testimonianze in questo senso possono essere dedotte da numerosi ritrovamenti sia in osso che in pietra, interpretati comestrumenti musicali.Tali sono, ad esempio, glizufolimagdalenianidi Roco de Mercamps o i litofonineoliticiscoperti nelle vicinanze diDallato(Vietnam).

In mancanza di testimonianze dirette o mediate, alcune ipotesi sulla forma assunta dalla musica primitiva può essere dedotta anche dall'osservazione di popoli il cui sviluppo è simile allo sviluppo delle attuali culture preistoriche, come, ad esempio, gliindios brasiliani,gliaborigeni australianio alcune popolazioniafricane.

Si può presumere che le primissime forme di musica siano nate soprattutto dalritmo:per esempio, per imitare, battendo le mani o i piedi, il cuore che batte, il ritmo cadenzato dei piedi in corsa o del galoppo; o magari alterando, per gioco e per noia, lefonazionispontanee durante un lavoro faticoso e monotono, come, per esempio, il pestare il grano raccolto per farne farina o il chinarsi per raccogliere piante e semi. Per questi motivi, nonché per la relativa facilità di costruzione, è molto probabile che i primistrumenti musicalisiano stati strumenti apercussione,e presumibilmente qualche variante deltamburo.

Tra gli strumenti più antichi ritrovati troviamo infatti il tamburo a fessura, un cilindro cavo, provvisto di una fessura longitudinale lungo la superficie esterna, suonato percuotendolo con le bacchette sulla fessura stessa. Le versioni più antiche e primitive ritrovate consistono in un tronco cavo, privo di fessura ma appoggiato trasversalmente sopra una buca nel terreno, che probabilmente veniva suonato percuotendolo con i piedi.

Musica dell'antichità

Lamusica dell'antichità,nella storia della musica, è quella musica che sostituì lamusica preistoricanelle differenti civiltà della cosiddettastoria antica.Essa si riferisce ai vari sistemi musicali che furono sviluppati in varie regioni geografiche comeMesopotamia,Egitto,Persia,IndiaeCina,o in vasti bacini d'influenza culturale come quelligrecoeromano,ed è designata dalla caratterizzazione dei fondamentali qualinoteescale.Potrebbe essere stata trasmessa attraverso metodi orali o scritti.

Musica nell'antico Egitto

La civiltà egizia è tra le prime civiltà di cui si hanno testimonianze di espressione musicale. Qui la musica aveva un ruolo molto importante: la leggenda vuole che sia stato il dioThota donarla agli uomini; essa era soprattutto legata aHator,considerata la dea della gioia, della musica e della danza.

Tra glistrumentiutilizzati dagli Egizi, troviamo icrotali,ilsistro,legato adHathor,latromba,utilizzata in guerra e sacra adOsiride,i tamburi, illiutoed ilflauto,sacro adAmon.Altro strumento musicale assai presente e caratteristico della civiltà egizia è l'arpadotata spesso di un'ampia cassa armonica. Nell'antico Egitto, la musica aveva funzioni religiose, veniva infatti utilizzata nelle cerimonie sacre, era presente durante riti di fecondazione, nella celebrazione di funzioni funebri, e ancora in occasione di divertimento e svago.

Inizialmente, nel periodo più antico, venivano usati principalmente strumenti a percussione, come bacchette e batacchi. La comparsa di strumenti più sofisticati dovette attendere più a lungo. I primi ad essere costruiti dopo le percussioni furono glistrumenti a fiato(flauto) ea corde(liraecetra), di cui esistono testimonianze greche, egizie e mesopotamiche anteriori all'XI secolo a.C.Queste civiltà conoscevano già i principali intervalli fra i suoni (quinte,quarte,ottave), usate come base per alcuni sistemi discale.Da uno studio dell'etnomusicologo tedescoSachssull'accordatura delle arpe, è emerso che gli Egizi utilizzavano sia unascala pentatonicadiscendente che unascala eptafonica.

Musica nel Vicino Oriente

Tra gli scavi della cittàsumeradiUr,e più precisamente nelcimitero reale,furono rinvenute alcunelire e arpe,mentre un'iconografiamusicale con cui è riccamente decorata l'architettura della primaMesopotamiastorica, lasciano intendere che per questa civiltà la musica fosse molto importante, soprattutto nelle forme rituali tipiche. Esemplari dibassorilievidelLouvre,provenienti daLagash,mostrano ad esempio la presenza di strumenticordofonisimili all'arpa.

Fra i testiUrritiritrovati adUgaritvi sono i più antichi esempi di stesura musicale, risalenti al 1400 a.C. circa.In questi frammenti sono stati trovati i nomi di quattro compositori, Tapšiẖuni,Puẖiya(na), Urẖiya e Ammiya.

Nei testi sacri dell'ebraismosi accenna per la prima volta alla musicaquando si parla diIubal,figlio diLameche di Ada, del quale viene detto che:

«... fu il padre di tutti quelli che suonano la cetra [inebraico,kinnor] e ilflauto[in ebraico,ugab].»(Genesi 4,21,sulaparola.net.)

Musica nell'antica Grecia

Presso l'antica Greciala musica (μουσική, musikè, "arte delle muse" ) occupava un ruolo di grande rilievo, sia nella vita sociale che nella religione. Per i greci la musica era un'arteche comprendeva, oltre alla musica stessa, anche lapoesia,ladanza,lamedicinae lepratiche magiche.L'importanza della musica nel mondo greco è testimoniata da numerosimitiche la riguardano. Uno è quello diOrfeo,il suo inventore, che riuscì a convincere gli dei dell'Adea restituire alla luce la scomparsaninfaEuridice.

Durante il periodo arcaico, dalle origini alVI secolo a.C.,la musica era praticata solamente da professionisti: gliaedie irapsodi.Questi declamavano i miti accompagnandosi con unostrumento musicaletramandando oralmente la musica. In seguito, durante il periodo classico, dal VI alIV secolo a.C.,la musica entrò a far parte del sistema educativo venendo così divulgata. A questo periodo risalgono pochissime fonti di grafia musicale che erano esclusivo patrimonio dei professionisti, in quanto la musica veniva, come abbiamo già accennato, tramandata oralmente. Sempre nel periodo classico si sviluppò latragedia.I soggetti della tragedia erano presi dai miti letterari e consistevano in dialoghi tra due o tre personaggi alternati dacanti corali.Gli attori erano tutti uomini, indossavanomascheree recitavano con l'accompagnamento della musica. L'impianto architettonico delteatroera costituito da una gradinata a semicerchio che ospitava il pubblico, di fronte al quale era presente un palco sul quale si esibivano gli attori, mentre tra la gradinata e il palco era presente un'orchestra insieme ad uncoro.

I greci usavano diversi strumenti. I più comuni erano laliraocetrae l'aulos.La lira era uno strumento le cui corde venivano pizzicate tramite unplettro,uno strumento sacro al dioApollo.L'aulos, invece, era unostrumento a fiato,o aerofono adancia,sacro al dioDioniso.Presso gli elleni erano in uso anche strumenti a percussione tra cui itamburie icimbali,meglio noti comepiatti.

I greci accostarono la musica allamatematicae al movimento degli astri.Pitagora,accostando la musica al movimento deipianeti,comprese che anch'essa era governata da precise leggimatematiche.Portò la sua intuizione sulmonocordoe scoprì che se una corda produceva un suono di una certa altezza, per ottenere un suono all'ottavasuperiore bisognava far vibrare metà della corda; per ottenere la quinta bastava far vibrare i due terzi della corda, e via di seguito.

Alla base del sistema musicale greco c'era iltetracordoformato da quattrosuonidiscendenti compresi in un intervallo di quarta giusta. I due suoni estremi erano fissi, invece i due intermedi erano mobili. I tetracordi si distinguevano indiatonico,cromaticoeenarmonico.L'unione di due tetracordi formava un modo che poteva esseredorico,frigioolidio.A seconda del tipo di unione i modi potevano essere a loro volta congiunti o disgiunti. Se ad un modo dorico disgiunto si aggiungeva un tetracordo congiunto all'acuto, un altro tetracordo congiunto al grave e sotto quest'ultimo unanotasi otteneva il sistematèleion,ovvero perfetto, dell'estensione di due ottave. Ilritmomusicale si basava su quello poetico. Nellapoesiagreca lametricascaturiva dalla durata delle sillabe: brevi o lunghe, lo stesso valeva in musica. La breve equivale all'odierna croma e la lunga all'odierna semiminima. Il ritmo si aveva dall'unione di due o più note o sillabe, ordinate in schemi ritmici chiamati piedi. In poesia la combinazione di vari piedi formava ilversoe la combinazione di più versi formava lastrofa.

Alla musica i greci attribuirono anche una funzione educativa, in quanto la ritenevano un'arte in grado di arricchire l'animo delle persone. SecondoPlatonela musica doveva servire per arricchire l'animo umano, così come laginnasticaserviva per irrobustire il fisico. Questo discorso si amplia con la dottrina dell'ethosper la quale ogni modo ha un suo specifico temperamento che può incidere positivamente o negativamente sull'animo delle persone. Per Platone i modi di speciedoricaofrigiaincidono positivamente, invece quelli di specielidiapossono turbare l'equilibrio razionale.Aristoteleaccettò la classificazione dell'ethos, ma ritenne che tutti i modi potevano andare a beneficio dell'animo. Fino a questo momento la teoria musicale era conosciuta esclusivamente dal punto di vista matematico. In seguitoAristossenodiTarantocomprese l'importanza dell'udito nella percezione dei suoni.

Musica nell'antica Cina

La musica cinese era già decisamente evoluta durante ladinastia Zhou(1122 a.C.-256 a.C.), con un ruolo importante nei cerimoniali. Anche presso questa cultura la musica aveva una profonda valenza educativa e filosofica. Documenti attestanti la composizione musicale in Cina sembrano risalire al VI - VII secolo a.C.

La musica nella Roma antica sotto l'influsso del modello greco

Apollo sauroctonus,copia romana,Louvre

Nelperiodo ellenisticosi assistette ad una sostanziale crisi di quelli che sono stati i fondamenti dellaMusikègreca, accompagnata dalla crisi delgenere tragico.Ci si imbatte in vere e proprie performance di attori che mettono in scena, dal loro bagaglio, pezzi di repertorio.

Il primo è segnato dalla modesta presenza, a Roma, della musica di originietruscheo italiche, abbinata anche a spettacoli indigeni quali l'atellanae ilfescennino.Risale a questa prima fase la diffusione di strumenti di metallo di impiego militare: labuccinadi forma circolare, illituusa canneggio diritto con il padiglione ripiegato all'indietro, la tuba dibronzoa canna diritta. I tempi successivi furono caratterizzati dal fatto che i romani conquistarono la Grecia e portarono a Roma, in grande quantità,musicisti,intellettuali,artistiefilosofigreci. L'intero sistema culturale romano fu condizionato da quello greco, anche dal punto di vista musicale, ma con sostanziali differenze. Dal punto di vista drammatico ci saranno tragedie e commedie modellate su quelle greche, ma con la differenza che verranno chiamate diversamente:coturnaequelle greche, perché gli attori greci stavano incoturni(calzari), mentre monodici e corali di carattere rituale erano considerati essenziali nelle solennità pubbliche quali i rioni, nelle feste religiose, nei giochi, infine, lepalliate,quelle romane, perché i romani indossavano un abito, ilpallio.

La musica romana ereditò dal mondo greco il sistema musicale, gli usi, le forme e la teoria. Rispetto alla semplice raffinatezza della musica greca, eseguita con pochi strumenti per accompagnare il canto, la musica dei romani fu indubbiamente più vivace, mescolata con elementi di origine italica, ed eseguita con grandi complessi in cui doveva esserci la massiccia presenza distrumenti a fiato:latibia,la buccina, il lituus, la tuba. Si faceva anche uso dell'organo idraulicoe di numerosi (e rumorosi)strumenti a percussione.Si può pertanto desumere che la musica a Roma fosse assai popolare e che accompagnasse sempre molti spettacoli tra cui lapantomimae gli spettacoli deigladiatori.Mentre per i greci la musica era una componente fondamentale dell'educazione, i romani ne avevano un'opinione molto inferiore, associandola a feste e divertimenti piuttosto che alla formazione delvir.

Il canto del cristianesimo in Occidente e la musica sacra

La diffusione delcristianesimo,e quindi delcanto cristiano,ebbe un ruolo decisivo nella storia della musica occidentale. Lamusica coraleha origine dal canto cristiano dei primi secoli. Nelle sacre scritture si legge che il canto fosse una pratica comune anche nei riti dellareligione ebraica:lo stessoCristo,insieme ai suoi discepoli viene ritratto come uncantore:

«E dopo aver cantato l'inno, uscirono verso il monte degli Ulivi.»

(Marco, 14, 22-26)

Si può fare un parallelo tra la funzione della musica nei riti delle prime comunità cristiane e la funzione dell'arte decorativa, sintetica e stilizzata, degli inizi della vita ufficiale del cristianesimo dopo il 313 d.C. In entrambi i casi gli argomenti di fede sono l'argomento di espressioni artistiche non verbali che potevano essere facilmente ricordate anche da una congregazione non letterata e di umili origini.

Questo modo dicantare le ideecontinuerà nei secoli a contribuire alla partecipazione del fedele all'azione sacra, anche dopo che lalingua latinaaveva da tempo cessato di essere comprensibile. Col tempo alla funzioneieratica,associata al salmodiare del celebrante,didascalicae partecipativa della musica, si aggiunse anche una funzione decorativa tesa a solennizzare gli eventi religiosi attraverso le caratteristiche e il volume sonoro, al quale è possibile ascrivere parte del successo di uno strumento quale l'organo,la cui sonorità profonda induce nell'ascoltatore una sensazione di presagio.

La monodia liturgica cristiana

Poiché lanotazione musicaleemergerà solo nel corso del XII secolo, il canto cristiano dei primi secoli ci è completamente ignoto, e ciò che se ne sa, deriva in gran parte da supposizioni. La sua presumibile derivazione dal rito ebraico fa presumere che laliturgiadei primi secoli fosse fondata sull'intonazione di forme melodiche tradizionali costruite attraverso variazioni molto piccolee in cui il ritmo era derivato dal ritmo verbale della liturgia (questo procedimento è anche dettocantillazione). Inoltre si può supporre che la condizione di clandestinità in cui la religione cristiana era praticata favorisse il sorgere di molte varianti del rito e quindi dell'accompagnamento musicale di riferimento.

La situazione cambiò nel 380, quando l'editto di Tessalonicaimpose la religione Cristiana quale unica religione dell'impero. A partire dalV secolo,il cristianesimo iniziò a darsi una impianto che imponeva l'unificazione dellaliturgiae, quindi, anche della musica che ne faceva parte integrante.

Si può ipotizzare che una forma iniziale di musica liturgica fossemonodicae basata su variazioni d'intonazione attorno ad una nota fondamentale, detta corda di recita, variazione che era dettata dallaprosodiaoenfasidelle parole del testo sacro, nello stile musicale detto sillabico. A questo stile, che dominava la maggior parte della messa, si sovrappose con il tempo un secondo stile, riservato inizialmente ai momenti di maggiore enfasi quali l'offertorio,in cui un solista intonava il testo facendo variare liberamente l'intonazione all'interno di una stessa sillaba in uno stile dettomelismatico.

La trasmissione della musica avveniva a questo punto per tradizione orale, e attraverso scuole di canto, la cui presenza presso i maggiori centri di culto è attestata fino dal IV secolo. Oltre alla scuola di provenienza, è probabile che anche l'improvvisazione e l'abilità del singolo cantore determinassero in larga parte la musica d'usoliturgico.

Il canto gregoriano

Agli inizi delVI secolo,esistevano in Occidente diverse aree liturgiche europee, ognuna con un proprio rito consolidato. Tra i principali, ricordiamo ilrito vetero-romano,ilrito ambrosianoaMilano,ilrito visigotico-mozarabicoinSpagna,il rito celtico nelle isole britanniche, ilrito gallicanoinFrancia,ilrito aquileiesenell'Italia orientale, il ritobeneventanonell'Italia meridionale. La tradizione vuole che alla fine di questo secolo, sotto il papato diGregorio I(590-604) sia stata avviata definitivamente l'unificazione dei riti e della musica dai quali dipende.

In realtà si ha motivo di credere che l'unificazione di tali riti avvenne quasi due secoli più tardi, ad opera diCarlo Magnosotto l'impulso dell'unificazione politica che condusse alla nascita delSacro Romano Impero.L'attribuzione a papaGregorio Isarebbe stata introdotta per superare le resistenze al cambiamento dei diversi ambientiecclesiastici,costretti a rinunciare alle proprie tradizioni.

Il prodotto dell'unificazione di due dei riti principali quello vetero-romano e quello gallicano fu codificato nel cosiddettoantifonariogregoriano,che conteneva tutti i canti ammessi nella liturgia unificata. Questa unificazione classificò i brani di musica sacra in uso secondo un sistema di modi, ispirati - almeno nei nomi - aimodidella tradizione greca: dorico, ipodorico, frigio, ipofrigio, lidio, ipolidio,misolidio,ipomisolidio.

La scrittura neumatica

Neuma plurisonico

La riforma gregoriana introdusse, nelle scuole di canto delle origini, lo studio dei testi al posto della trasmissione orale, sacrificando diverse particolarità regionali, alcune delle quali, specialmente quelle di derivazionemozarabica,particolarmente ricche, all'intonazionemicrotonale,particolarità che esisteva ancora nel rito vetero-romano, ed al ruolo dell'improvvisazione. Allo stesso tempo si creò la necessità di "annotare" i testi scritti in modo da aiutare i cantori ad eseguire musiche sempre nello stesso modo, attraverso una linea melodica che indicava la direzione, ascensionale o discensionale. Quest'esigenza fece nascere segni particolari, i cosiddettineumi,pare nati dai gesti del direttore del coro, che, annotati tra le righe dei codici, rappresentavano l'andamento della melodia, come già detto, ma lasciando liberi intonazione eritmo.Lascrittura neumaticadivenne così la prima forma di "notazione" - dalla quale ebbe origine la "nota" musicale moderna.

Gli inizi della polifonia

Lorenzo Costa:Il concerto

La riforma gregoriana non impedì che, nel corso degli anni, le melodie monodiche di base fossero arricchite tramite amplificazioni sia in senso orizzontale, aggiungendo ornamenti alla linea melodica, che in senso verticale, aggiungendo altre voci al canto del celebrante.

L'amplificazione orizzontale prese la forma di interpolazione di testi emelisminella melodia gregoriana, dettitropi,o di composizioni originali a partire da particolari momenti della liturgia, in genere l'Alleluja, dettesequenze.

L'amplificazione verticale, che costituiva l'inizio dellapolifonia,dal greco: molte voci, prese dapprima la forma di un raddoppio o diafonia della voce monodica o vox principalis, con una seconda voce, detta vox organalis, ad andamento parallelo e a distanza fissa, in genere una quarta o una quinta, secondo un procedimento poi definito, adorganumparallelo.Lavox organalis,oduplum,inizialmente posta al di sotto dellavox principalis,sarebbe divenuta più acuta negli sviluppi che seguirono. Il trattatoMusica Enchiriadisrisalente alla metà delIX secolo,dà conto dell'organum paralleloe di alcune sue variazioni che contemplano eccezioni del moto parallelo delle voci.

Il discostarsi dalla regola del moto parallelo delle voci, era destinato a produrre tecniche polifoniche più complesse: infatti, attorno al 1100 venne sviluppata la tecnica deldiscanto,dove alle voci, che conservavano sempre distanze considerate consonanti, cioè quarta, quinta, ottava e unisono, veniva consentito un movimento più libero, movimento che alternava un moto parallelo ad un moto contrario.

Nello stesso periodo, emerge una tecnica dettaeterofonia,probabilmente derivata dal canto popolare, che consentiva al duplum di eseguiremelismimentre la vox principalis intona, con valori di durata assai prolungati, la melodia originale. Questa pratica è documentata in alcuni codici italiani delXIIeXIII secolo,ad esempio nel trattato dell'Organum Vaticano, e da documenti coevi provenienti dalla chiesa di San Marziale aLimogesnel sud della Francia. A questo stile sarà attribuito il nome diorganummelismatico.

Non furono queste le uniche alterazioni alla prescrizione monodica gregoriana: nello stesso periodo e nei luoghi dell'organum melismatico si trovano esempi dell'uso delbordone,ossia un'unica nota bassa che viene prolungata anche per tutta la composizione, composizioni multitestuali dettetropisimultaneiin cui le voci cantano testi diversi, anticipando quello che più tardi sarà ilmottettoe perfino accenni di composizione a tre voci.

Bisogna infine ricordare che inInghilterranacque un tipo di polifonia molto diversa da quella del continente europeo, che ammetteva, enfatizzandoli, gli intervalli di terza e sesta, considerati dissonanti sul continente. Questa tendenza, espressa in composizioni a due ogymele tre voci ofalso bordone,avrebbe in seguito influenzato la musicafiammingapoi diffusosi in tutta l'Europa, diventando la base della musica occidentale che si basa sulle triadi e gli intervalli di terza.

Guido d'Arezzo

Statua a Guido d'Arezzo

La scritturaneumaticalasciava molto all'immaginazione del lettore, e, proprio per questo, era inadatta alla trascrizione di composizioni di maggiore complessità, che mettevano a dura prova la memoria dei cantori.

Fu nell'opera diGuido d'Arezzo(992 ca.-1050 ca.) che si affermò il primo sistema di grafiadiastematica,una stesura, cioè, che permetteva di indicare le diverse altezze delle note da intonare. Guido d'Arezzo chiamava il suo sistematetragrammaperché inseriva dei segni, che sarebbero poi diventati le moderne note, in una griglia costituita spesso da quattro righe parallele.

Fu questo l'inizio dell'uso delle note in cui la grafia delle durate era ottenuta proporzionalmente.Alle note che erano posizionate negli spazi e sulle linee, Guido d'Arezzo assegnò nomi corrispondenti alle sillabe iniziali dei primi sei versetti di uninnodedicato aSan Giovanni Battistacome memorandum per gli allievi:

(LA)

«Utqueant laxis
Resonare fibris
Mira gestorum
Famuli tuorum
Solve polluti
Labii reatum
SancteIohannes»

(IT)

«Affinché possano cantare
con voci libere
le meraviglie delle tue azioni
i tuoi servi,
cancella il peccato
del loro labbro contaminato,
o san Giovanni»

(Inno a San Giovanni)

La vera innovazione di Guido d'Arezzo fu che le prime sillabe dell'Inno, non servirono solo per dare un nome alle note ma, anche a darne l'intonazione relativa. In questo modo un cantore poteva intonare a prima vista un canto mai udito prima semplicemente facendo riferimento alla sillaba dell'Inno con la stessa intonazione della prima nota cui il canto iniziava per averne un'immediata idea della tonica.

A questo procedimento di memorizzazione Guido diede il nome disolmisazione.Negli anni che seguirono il tetragramma di Guido d'Arezzo, in origine dotato di un numero variabile di linee, si sarebbe stabilizzato su cinque linee, assumendo il nome dipentagramma,e la nota Ut avrebbe mutato il suo nome in Do ponendo le basi della notazione musicale moderna.

La musica popolare antica e i trovatori

Il trovatoreBernard de Ventadorn

Dal punto di vista della sua conservazione la musica fu doppiamente svantaggiata. Da una parte soffrì, fino all'invenzione del torchio a stampa, della sorte comune a tutto il materiale che doveva essere tramandato in forma scritta, cioè della rarità del materiale, dei mezzi e delle capacità di tramandarlo. A ciò si aggiunse la mancanza di una notazione che permettesse di scrivere la musica in maniera univoca, cui si giungerà compiutamente solo attorno al1500.

A queste circostanze pratiche, si aggiungevano pregiudizi di carattere culturale, risalenti addirittura alla concezione Greca, che individuavano nella pratica musicale una parte nobile, collegata alla parola, e una artigianale, collegata al suono strumentale. La seconda veniva relegata in secondo piano e, nella sua funzione di servizio, lasciata ai musici professionisti, sempre di origine non nobile: questo equivaleva a dire che la musica popolare era affidata esclusivamente alla trasmissione orale, per cui per noi è completamente perduta. Le poche melodie giunte sino a noi, lo hanno fatto spesso intrufolandosi in composizioni considerate degne di essere tramandate, spesso in parti della messa: è questo il caso della melodia detta,L'homme armée, successivamente, della melodia detta,La Follia.Solo in epoca moderna la musica popolare inizierà ad essere considerata degna di essere tramandata.

Si sa comunque che nel Medioevo si produceva molta musica di carattere non sacro: talvolta per celebrare i potenti, che assumevano regolarmente musicisti, soprattuttotrombettistiper accompagnare le cerimonie ufficiali, per accompagnare spettacoli teatrali,sacre rappresentazionio la recitazione di poesie o semplicemente per ballare. Pare che nel Medioevo esistesse una vera e propria passione per il ballo, attestata fra l'altro dai numerosi editti che proibivano la danza nei cimiteri.

È certo che la recitazione delle poesie fosse spesso, se non sempre, accompagnata dalla musica: quasi certamente gran parte venivano infatti cantate piuttosto che recitate.Una famosa raccolta profana, iCarmina Burana,ha tramandato i soli testi dei canti deichiericivaganti attorno alXIII secolo.

Un'altra importante testimonianza, profana anche se non propriamente popolare, è costituita dalle composizioni deitrovatori,deitrovierie deiMinnesanger,cantori e poeti vaganti, le cui prime testimonianze datano attorno all'XI secolo.Di provenienza linguistica diversa,lingua d'oco occitano per i trovatori,lingua d'oïlper i trovieri, tedesco per i minnesanger omenestrelli,essi erano accomunati dall'argomento delle loro canzoni, l'amor cortesee dalla loro frequentazione, appunto delle corti, dove era stata elaborata questa forma ritualizzata d'amore. La diffusione delle composizioni trobadoriche, accompagnò anche la diffusione dell'idea che l'educazione musicale, rigorosamente non professionale, dovesse far parte dell'educazione di un nobile. Come per il resto delle composizioni popolari però, anche la parte musicale delle composizioni trobadoriche è andata quasi completamente perduta.

Ars Antiqua

La facciata occidentale di Notre-Dame

Nel1150si sviluppa aParigiattorno allaCattedrale di Notre Dameuna grande scuolacontrappuntisticaeuropea, di ispirazionepitagorica,detta appuntoscuola di Notre Dame,o ancheArs Antiqua,in contrapposizione all'Ars nova,che sarà un altro grande movimento polifonico che nascerà nelXIV secoloe in contrapposizione all'Ars Antiqua, la cui parabola terminò, con la scuola di Notre Dame, nel1320.

Dal punto di vista della notazione musicale, laScuola di Notre Dameintrodusse la tecnica di indicare precisamente l'altezza delle note, che nell'opera di Guido d'Arezzo era ancora intesa in maniera relativa, in modo simile a quello che avviene nella composizione musicale moderna, e la prima idea di divisione delle durate: ogni nota poteva essere divisa in tre note di durata inferiore.

Dalla scuola di Notre Dame ci vengono i nomi dimagister Leoninus(Leonin) emagister Perotinus(Perotin), i primi autori dimusica sacra,modernamente intesi, della storia della musica occidentale.

Il Trecento: l'Ars Nova

Guillaume de Machautriceve dalla Natura tre dei suoi figli: Senso, Retorica e Musica

IlXIV secolofu il secolo in cui iniziò in tutta Europa un rafforzamento del movimento di laicizzazione della cultura, che iniziò a distanziarsi dai condizionamenti ecclesiastici e ad acquistare una sua dimensione autonoma. Questo fenomeno si manifestò in tutti gli aspetti della produzione artistica: inletteraturasi ebbe la compresenza di un'operateologicadel mondo, laDivina Commedia,e, della commedia umana diBoccaccio,egualmente accettate e apprezzate. Inpitturasi passa da figure più semplici alla dimensione fisica dell'uomo; inarchitettura,accanto ai luoghi ecclesiastici, si vede una maggior diffusione del palazzo nobiliare e della nuova ricca borghesia, con un progressivo sviluppo della città e delle abitazioni aristocratiche. Anche la musica acquisì una sua autonoma dimensione. L'ars antiqua si chiude nel 1320, data a cui risalgono due trattati:Musica PraticadiJohannes de MuriseArs nova musicaediPhilippe de Vitry,che iniziarono il periodo cosiddetto dell'Ars nova.

Questa scuola sviluppò ulteriormente il concetto dinotazione mensurale,aggiungendo altre durate a quelle usate fino ad allora, ed estendendo l'applicabilità della divisione binaria dei valori; inoltre accentuò gli aspetti musicali delle composizioni, moltiplicando le voci dei cantori ed introducendo ad esempio la forma politestuale delmottetto,rispetto agli aspetti testuali. Queste innovazioni la posero ben presto in polemica con gli esponenti dell'Ars antiqua,polemica che assunse toni così violenti da dover essere sedata da un intervento regale.

Il punto di vista arsnovistico infine prevalse, e i suoi insegnamenti furono alla base delle ulteriori innovazioni musicali che avrebbero avuto luogo nel secolo successivo nelleFiandre.

Nell'ambito della musica popolare, gli anni trenta e quaranta videro la diffusione di un nuovo genere musicale, lachansonparigina,un canto sillabico a più voci generalmente omoritmico, ossia le voci cantano simultaneamente note della stessa durata. Questo genere subì molti mutamenti ed evoluzioni; infatti, nella seconda metà del XV secolo una forma, puramente strumentale, derivata da questa, dettacanzone da sonar,divenne l'antenata delle forme strumentali che saranno successivamente sviluppate nel periodo barocco.

Il Quattrocento

Guilaume Dufay

I rivolgimenti economici e sociali delXV secolo,soprattutto laguerra dei cent'annie lo sviluppo dei traffici nel nord Europa, ridussero l'influenza politico/culturale dellaFranciadando impulso allo sviluppo delle arti in generale e della musica in particolare nelle regioni della Fiandra e dellaBorgogna.La scuola che si sviluppò, finanziata nelle scuole delle cattedrali dalla borghesia benestante, prese il nome discuola franco fiammingainnovando notevolmente le preesistenti forme della liturgie dellamessa,delmottettoe dellachanson.Ponendo, sia le consonanze per terze, ancora oggi familiari all'orecchio occidentale, che la forma imitativa delcanonealla base delle loro procedure compositive, i fiamminghi, tra i quali ricordiamo il fondatoreGuillaume Dufaye il grandeJosquin Desprez,rivoluzionarono la pratica della polifonia ereditata dall'Ars novae dall'Ars antiqua.Il lavoro di questi compositori poneva le basi per lo sviluppo di quella che sarebbe stata la teoria dell'armonia.

La monumentale complessità cui pervennero le composizioni fiamminghe,le regole da essi codificate e la minuta tassonomia con la quale classificarono le forme da essi frequentate, soprattutto il canone, finirono per inaridire e considerare artificiose le composizioni dell'ultimo periodo fiammingo: a questo punto (tra ilXVIe ilXVII secolo), gli insegnamenti dei fiamminghi erano stati assimilati dagli altri musicisti europei ed erano divenuti parte integrante della polifonia.

La produzione musicale italiana di questo secolo non è ben documentata. Si sa che vi fu un'espansione della musica d'uso, nelle corti e in genere nelle occasioni profane, la cui parte musicale, affidata come di consueto alla tradizione orale, fu quasi interamente perduta. Di questo periodo si ricordano icanti carnascialeschio canti di Carnevale, nati a Firenze nell'epoca diLorenzo il Magnifico.Si tratta di canti popolareschi a più voci: una vera e propria polifonia in cui tutte le voci posseggono lo stesso ritmo, tecnicamente definita comepolifoniaomoritmica.

Si affermarono inoltre diverse forme quasimonodiche,o comunque con polifonie omoritmiche molto più semplici di quelle fiamminghe, in cui il testo prevaleva sull'intreccio musicale. Tra queste era popolare la forma dettafrottola.DaNapoliproveniva lavillanella,che inizialmente si chiamò infatti villanella alla napoletana, una forma a tre voci, inizialmente in dialetto napoletano, che diventò una forma internazionale, come ilmadrigale.Fu una forma dal carattere fortemente popolare, caratterizzata dalla presenza di quinte parallele, quasi a sottolineare la distanza dalla tradizione colta dello stesso periodo.

Il Cinquecento

Giovanni Pierluigi da Palestrina

NelXVI secolosi verificò di uno degli eventi più importanti per la diffusione della musica: la nascita dell'editoria musicale. Nel1501aVeneziavenne per la prima volta pubblicato, ad opera diOttaviano Petrucci,l'Harmonice Musices Odhecaton,un intero volume di musica a stampa. Petrucci utilizzò dei caratteri mobili: uno stampatore romano,Andrea Antico,utilizzò pochi anni dopo un procedimento di tipoxilograficoper ottenere lo stesso risultato.

Un'altra importante diramazione della chanson parigina fu in Italia la composizione musicale delmadrigale,nato ad opera del francesePhilippe Verdelote del fiammingoJacques Arcadelt.Era una forma cantata a più voci, in cui il significato del testo comunicava il carattere espressivo alla musica; in essa si cimentarono i principali musicisti dell'epoca, tanto italiani,Palestrina,Monteverdi,Carlo Gesualdo,quanto stranieri,Orlando di Lasso,Adrian Willaert,ed altri appartenenti alla sesta generazione fiamminga.

L'avvento della RiformaLuteranae la reazione cattolica controriformista, culminata nelConcilio di Trento(1545-1563) ebbero un profondo influsso sulla musica sacra. Nel mondo tedesco, la traduzione in tedesco dei canti liturgici e la loro messa in musica spesso su melodie profane, creò la tradizione delcoraleprotestante. Nel mondo cattolico, si creò un movimento di ritorno alle origini del gregoriano, che si distanziava dall'eccessiva complessità introdotta dalla scuola fiamminga nel secolo precedente, e proibiva ogni messa di derivazione musicale profana, richiamando i compositori al rispetto dell'intelligibilità del testo. Particolarmente sensibile a questi dettami fu il musicista italianoGiovanni Pierluigi da Palestrina(1525-1594), che, come compositore o maestro di diverse cappelle romane,lasciò un corpus di oltre 100 messe, 375 mottetti e più di 300 altre composizioni che costituirono in pratica la rifondazione della musica sacra cattolica, stabilendo un canone stilistico che sarebbe stato per secoli a venire il riferimento per la musica liturgica.

Allo stesso tempo, negli ambienti umanistici si sviluppava una polemica tra i proponenti delle forme polifoniche e i proponenti delle forme monodiche, dove questi ultimi vestivano i panni degli innovatori. Fondamentale fu il circolo fiorentino dellaCamerata de' Bardi,che, verso la fine del secolo, produsse ben due versioni, tra loro in concorrenza, di un dramma musicale, l'Euridice,dove veniva impiegata una tecnica nuova, detta delrecitar cantando,dalla quale nelXVII secoloil genio diClaudio Monteverdiavrebbe fatto nascere ilmelodramma.

Il trattatoDe Institutioni Harmonica(1558) diGioseffo Zarlino,uno dei conservatori e difensori della polifonia nella polemica sopra accennata, definisce in modo completo ed esauriente le leggi dell'armonia e quindi della polifonia.

Il Seicento e il Settecento: Il Barocco e il Classicismo

Claudio Monteverdiritratto daBernardo Strozzi.

Ilperiodo baroccocopre il periodo tra ilXVIIe ilXVIII secolo,in particolare dal 1600 al 1750. Lo stesso terminebaroccoderiva dal termine dispregiativo utilizzato per indicare una pietra di forma irregolare, vocabolo coniato nel secolo successivo. Le sue finalità erano quelle di meravigliare e stupire. Storicamente, la musica aveva quasi sempre previsto la presenza di elementi vocali, eventualmente con parti elaborate per strumenti musicali, mentre il Barocco prevedeva una prevalenza nell'utilizzo di strumenti, prevalenza che si sviluppò inizialmente all'interno delle chieseveneziane,sfruttando le possibilità acustiche della chiesa di San Marco. Si cominciò a scrivere per uno strumento musicale, sfruttando le capacità dello strumento stesso: questo tipo di scrittura prese il nome dimusica idiomatica.Nei palazzi aristocratici si formò così la figura delvirtuoso,figura che in seguito arriverà anche nei palazzi vescovili.

La musica occidentale si sviluppò con straordinaria rapidità attraverso i secoli successivi, anche perfezionando il suosistema tonale.La tonalità è un sistema musicale basato su scale maggiori e minori. Su ogni grado della scala si può costruire un accordo; gli accordi possono essere di posa (1°-6°), poco movimento (2°-4°), o movimento (5°-7°) e possono essere anche consonanti o dissonanti. Una pietra miliare è costituita dalle composizioni diJohann Sebastian BachdelClavicembalo ben temperato,opera che mette in pratica il cosiddetto sistema deibuoni temperamenti.

Tipologie d'opera dell'epoca barocca

Alcune tipologie di opera dell'epoca barocca sono:

Suite:considerata una successione di danze stilizzate composte solo per essere ascoltate: l'allemandaha origine tedesca, lagigaha origini irlandesi, lacorrenteha origine italiana/francese, infine lasarabandadi origine spagnola: questa successione di danze fu inventata da Froberger.

Sonata:brano strumentale simile al madrigale.

Forma libera:le sezioni del madrigale diventano quelle della sonata: passa dall'essere un unico brano a essere formato da più tempi. Lento-veloce-L-V chiesa; V-L-V-L camera.

Melodramma:nel 1570 in casaJacopo Bardi,successivamente in casaJacopo Corsi,alcuni artisti si riuniscono e decidono di far rivivere latragedia grecabasandosi sulla convinzione che fosse interamente cantata in un canto monodico accompagnato. Nel 1598 si arriva alla realizzazione dellaDafne,musicata daJacopo Perie Corsi, della quale resta oggi solo qualche frammento. Nel 1600 viene composta, da Peri eGiulio Caccini,per il matrimonio diMaria de' MedicieEnrico IV di Francia,l'Euridice,con testi diOttavio Rinuccini.Nello stesso anno l'opera diEmilio de' Cavalieri,Rappresentatione di anima et corpo,dotata dello stesso impianto di un melodramma, ma non è definibile come tale, dato che i melodrammi devono essere di argomento profano e questo non lo era. L'Euridice viene notata dal ducaGonzaga di Mantovache commissiona un melodramma al suo musicistaMonteverdi,che compone nel 1607 l'Orfeo.I primi melodrammi vengono eseguiti inrecitar cantando,una forma di canto monodico accompagnato: da lì nascono ilrecitativoe l'aria.Gli argomenti dei primi melodrammi sono di argomentomitologicoper giustificare l'inverosimiglianza del dialogo cantato. Viene molto utilizzato il mito di Orfeo e Euridice perché si esprime lamagiae la bellezza del canto di Orfeo capace di muovere gli affetti. Il finale veniva spesso cambiato perché i melodrammi dovevano avere un lieto fine, cosa che non caratterizzava questo mito.

Nelperiodo baroccosi istituirono alcune scuole per musicisti come associazioni laiche. In Italia nascono i primi conservatori, nati in realtà comeorfanotrofi:aVeneziavenivano chiamati ospedali, in cui agli orfani veniva fatta studiare la musica. In ItaliaAntonio Vivaldioperò molto negli orfanotrofi, come insegnante e direttore di orchestra. Innovando dal profondo la musica dell'epoca, Vivaldi diede più evidenza alla struttura formale e ritmica delconcerto,cercando ripetutamente contrasti armonici e inventando temi e melodie inconsuete. Il suo talento consisteva nel comporre una musica non accademica, chiara ed espressiva, tale da poter essere apprezzata dal grande pubblico e non solo da una minoranza di specialisti. Vivaldi è considerato uno dei maestri della scuola barocca italiana, basata sui forti contrasti sonori e sulle armonie semplici e suggestive. Altro importante esponente della musica strumentale italiana di questo periodo èDomenico Scarlatti,pioniere di tecniche tastieristiche nuove per i suoi tempi, comearpeggi,note ribattute in agilità, incroci delle mani,ottave spezzatee percosse, doppie note. Dal punto di vista dello stile, le sue sonate sono caratterizzate da una rapidissima mobilità espressiva e da una grande inventiva armonica, con l'impiego di accordi spesso sorprendenti. La scuola pianistica russa ha tenuto in grande considerazione la musica del Scarlatti per le sue grandi qualità didattiche ed artistiche. Alla fine del Cinquecento un prete fiorentino, S.Filippo Neri,crea piccole assemblee dove i fedeli possono pregare e discutere insieme di argomenti religiosi. Queste assemblee ebbero molto successo. Vennero emulati ovunque. Durante queste assemblee i partecipanti discutevano e pregavano cantando dellelaudi polifoniche.Con la morte di S. Filippo Neri, l'utenza diventò di un ceto sociale più alto. Si cominciano a cantare i Madrigali, e piano piano si trasformano in oratori. Le principali differenze tra melodramma e oratorio sono: l'oratorio è privo di azione scenica, prevalgono la sacralità, le fondamentalità del coro, la presenza del narratore (historicus), mentre nel melodramma vi è un'azione scenica, l'argomento è profano, non ce n'è il coro né il narratore. Mentre fino alXVI secoloprevalevano glistrumenti a fiatoin quanto più idonei ad eseguire la musica polifonica; nel ‘600 prevalsero gli archi anche perché con questo tipo di strumento puoi produrre più effetti e dinamiche. Fino a quel momento non esisteva il concetto di pubblico, dato che le opere venivano eseguite solo nelle corti. Nel 1637, con l'apertura del primo teatro pubblico a Venezia, la popolazione sarà quella che paga e comincerà a condizionare le scelte musicali. Durante la prima metà del Seicento, nella scuola veneziana,Girolamo Frescobaldiscrisse perorganoeclavicembalouna musica polifonica dove inserisce il virtuosismo, dando anche indicazioni all'esecutore. Le forme dei brani che scrive sono:canzona,ricercare,toccataecapriccio.Accanto a quelle diBach,sono di fondamentale importanza le composizioni del tedescoGeorg Philipp Telemann,che esce dagli schemi della scuola tedesca del tempo. Vi è inoltre la grande presenza diWolfgang Amadeus Mozart.Senza dubbio è uno dei più grandiː grazie a lui l'evoluzione della musica può poggiare su delle grandi fondamenta che si estendendono in tutti i campi, nellasinfonia,nell'opera,nellamusica da camera,nelleserenate,e rappresenta di fatto il legame, possiamo dire, tra la musica del settecentoe quella romantica del XIX secolo.

L'Ottocento

Ludwig van Beethoven.

Tra il 1750 ed il 1850 lamusica classicaoccidentale si espresse in forme sempre più ricche ed elaborate, sia in campo strumentale, nel quale uno straordinario sviluppo ebbe la forma dellasinfonia,che in campooperistico,sfruttando sempre più diffusamente le possibilità espressive fornite dal sistema armonico e tonale costruito nei secoli precedenti.

All'inizio del secolo giganteggia la figura diLudwig van Beethoven(1770-1827), testimone dell'eredità di Mozart e dei compositori classici coevi, per arrivare a trasfigurare le forme musicali canoniche, soprattutto lasinfonia,lasonata,ilconcertoed ilquartetto d'archi,creando al contempo il concetto dimusica assoluta,cioè svincolata dalle funzioni sociali cui era stata fino ad allora subordinata. Con Beethoven si assiste alla nascita della figura del compositore/artista, contrapposta a quella, in precedenza prevalente, del musicista/artigiano. Le novesinfonie di Beethovenebbero tale risonanza da promuovere la forma della sinfonia come la regina tra le forme musicali, al punto che molti dei musicisti venuti dopo di lui temevano di misurarsi con essa. Ciò nonostante, compositori comeJohannes Brahms,Anton BrucknereGustav Mahlerl'affrontarono con risultati così notevoli da far parlare di "Stagione del grande sinfonismo tedesco".

In Beethoven si trovano le prime manifestazioni delromanticismomusicale, molti protagonisti del quale furono di area germanica e austriaca, comeWeber,Schubert,MendelssohneSchumann.In Francia operavano inveceBerlioze il polaccoChopin.Emerge in questo periodo anche la figura del musicista virtuoso, che ha inFranz LiszteNiccolò Paganinii due esempi più famosi e celebrati.

L'Ottocentoè anche il secolo della grande stagioneoperisticaitaliana, che ha come protagonistiGioachino Rossini(1792-1868),Vincenzo Bellini(1801-1835),Gaetano Donizetti(1797-1848),Giuseppe Verdi(1813-1901) e, a cavallo del secolo seguente,Giacomo Puccini(1858-1924). La tradizione operistica italiana continua ad esaltare il ruolo delcantoche, sciolto dall'eloquenza dell'opera settecentesca diviene momento lirico, pura espressione dell'anima. Nel corso del secolo tuttavia essa assorbe progressivamente aspetti dell'opera francese, da sempre attenta all'aspetto visivo e a partire dalla seconda metà del secolo legata all'estetica delnaturalismo.Quanto all'orchestra, da sempliceaccompagnamentodel canto si evolve fino a diventare, nelle ultime opere di Verdi e successivamente in Puccini, un'orchestra sinfonica.

Alla fine del secolo la ricerca di nuove forme e di nuove sonorità porta alla crisi del sistema tonale, espressa nel famoso preludio delTristano e IsottadiRichard Wagnerdel1865,che contiene passaggi armonicamente enigmatici, non interpretabili alla luce delle regole in vigore in quegli anni.

Il Novecento

NelXX secolo,parallelamente al versante colto, che in realtà si estende molto al di là dei confini tracciati dalla musica seriale, assunsero grande importanza i generi musicali popolari, cui i mezzi di comunicazione di massa consentirono una diffusione senza precedenti.

La musica colta

Dopo la crisi del sistema tonale, a cavallo traOttocentoeNovecentosi avvia una frenetica ricerca di nuovi codici linguistici su cui basare lacomposizione musicale.Le soluzioni proposte sono diverse: dal ritorno allamodalità,all'adozione di nuove scale, di derivazione extraeuropea, come quella pertoni interi,proposta per primo daClaude Debussy,al cromatismoatonalee poidodecafonicoche tende a scardinare la tradizionale dualità di consonanza/dissonanza.

In particolare, nel secondo decennioArnold Schönberg,assieme ai suoi allievi, tra cui si ricordanoAlban BergeAnton Webern,giunge a delineare un nuovosistema,noto come,dodecafonia,basato su serie di 12 note. Alcuni ritennero questo l'inizio dellamusica contemporanea,spesso identificata con la musica d'avanguardia:altri dissentirono vivamente, cercando altre strade. Il concetto di serie, inizialmente legato ai soli intervalli musicali, si svilupperà nel corso del secondo Novecento sino a coinvolgere tutti i parametri del suono. È questa la fase delserialismo,il cui vertice fu raggiunto neglianni cinquantacon musicisti comePierre Boulez,John Cage,Terry Riley,Steve Reich.

Altri musicisti - tra cuiBéla Bartók,Maurice RaveleIgor' Fëdorovič Stravinskij(nel suo primo periodo) - scelsero di cercare nuova ispirazione nelle tradizioni folkloristiche e nella musica extraeuropea, mantenendo un legame con il sistema tonale, ma innovandone profondamente l'organizzazione e sperimentando nuove scale, ritmi e timbri; Stravinskij, dopo un secondo periodoneoclassico,con la sua ultima attività creativa si avvicinò alla musica seriale.

In Italia spiccanoGian Francesco MalipieroeLuigi Dallapiccolaper il primo Novecento,Luciano BerioeLuigi Nononel secondo dopoguerra.

La musica da film

Con l'avvento dellacultura cinematografica,inizia anche la diffusione della "musica da film" ocolonna sonora,che riprende la funzione di "commento musicale" delle scene, come accade per il teatro.Sergej Prokof'evfu uno fra i primi musicisti a lavorare per il cinema, in particolare collaborò con il registaĖjzenštejn.Tra gli altri compositori celebri del XX e XXI secolo vi sonoPhilip Glass,Ennio Morricone,Nino Rota,John Williams,Alfred Newman,Bernard Herrmann,Henry Mancini,Danny Elfman,Thomas Newman,John Powell,Hans ZimmereDavid Newman.Per questo genere di musica non vi sono dei canoni o metodi musicali precisi che lo contraddistingue dagli altri, dato che ogni compositore possiede un suostilepersonale e può avere influenze diverse da qualsiasi altro genere: dalla musica classica, dal jazz o dal rock e così via. Con la nascita dei videogiochi, le colonne sonore hanno trovato un altro campo di applicazione, conosciuto per tali opere comebackground music.

Il jazz, il ragtime e il blues

Louis Armstrongnegli anni trenta

All'inizio del Novecento, negliStati Uniti d'America,iniziano a diffondersi tra la popolazione urbana diversigeneri musicaliderivati dalle tradizioni popolari degli africani portati come schiavi sul continente, e dalle loro unioni con le tradizioni musicali bianche.

Nascono e acquistano notorietà in questo modo ilragtime,ilbluesurbano, derivato dal cosiddettoblues primitivoche veniva cantato nelle campagne, e da ultimo, iljazz,che combinava la musica bandistica e da parata, suonata soprattutto aNew Orleans,con forti dosi d'improvvisazionee con particolari caratteristiche ritmiche e stilistiche.

L'invenzione delfonografo,prima, e dellaradio,poi, permise una diffusione senza precedenti di questi nuovi generi musicali, spesso interpretati da musicisti autodidatti molto più legati ad una tradizione musicale orale che non alla letteratura musicale. Questo fatto, le origini non europee degli interpreti, e il citato ricorso all'improvvisazione, contribuirono a creare musiche di grande freschezza e vitalità. Al contrario di quello che era successo tante volte nella storia della musica, la tecnologia offriva ora ad una musica popolare, fondata più sulla pratica che sulla carta, di essere trasmessa e tramandata, piuttosto che dimenticata.

La musica jazz continuò a svilupparsi per tutto ilXX secolo,diventando prima musica di larghissimo consumo durante glianni '20e'30,detti anche gli anni delloswing,intrecciandosi con altri generi per dare vita a forme di espressione musicale ancora diverse, la più commercialmente rilevante delle quali fu ilrock,ed evolvendosi poi gradatamente in unamusica per musicistie per appassionati, quando non perélite,espandendosi fuori dall'America e trovando seguaci prima in Europa, dove fu spesso apprezzata più che nel suo luogo di nascita, e poi in tutto il mondo, diventando uno dei contributi musicali più importanti del Nuovo Continente.

La musica pop

Presley in un'immagine deglianni settanta

All'inizio delXX secolola musica occidentale è dunque ormai profondamente cambiata, e scossa fin dalle fondamenta. Non solo, ma cambiano anche, grazie alle invenzioni relativamente recenti dellaradioe delfonografo,i modi e i tempi diascoltodella musica stessa, prima limitati a concerti in locali appositamente adibiti, cometeatri,locali,clubo case private. Da una parte inizia a crearsi un pubblico potenziale più vasto e meno acculturato, che apprezza sistemi melodici e armonici più semplici, dall'altra mai come in questo periodo storico è stato facile, per chi volesse suonare, procurarsi uno strumento e imparare a usarlo.

A questo si deve aggiungere una seconda rivoluzione, anche questa tecnologica: l'invenzione dell'altoparlantee dell'amplificazione audio, che permette di far suonare assieme strumenti che non potrebbero farlo altrimenti (come per esempio unachitarra,unabatteriadi tamburi e unpianoforte), perché il suono di alcuni di essi prevaricherebbe completamente gli altri.

Queste nuove possibilità tecniche crearono l'occasione per nuovi veicoli espressivi che la musica colta tardò a cogliere e che la nuova musica popolare non ebbe alcun problema ad adottare, creando, tra il1920fino al1980e in misura minore negli anni successivi, una grande fioritura di nuovi stili e generi, qualijazz,blues,rock,soul,pop,funk,metalefusion,ognuno dei quali si è suddiviso in ulteriori sottogeneri. Nascono così personaggi che diventano autentici fenomenimediaticiraggiungendo una popolarità senza precedenti. Gli stessi fattori, assieme alle mutate condizioni sociali ed economiche del mondo occidentale, fanno assumere estrema rilevanza agli aspetti commerciali del fenomeno musicale, aspetti che avevano iniziato ad emergere già nel secolo precedente: nel XX secolo la richiesta popolare di musica fa nascere, in occidente e nel resto del mondo, una vera e propria industria musicale di dimensioni e risorse gigantesche. Inoltre nacquero le prime sigle di cartoni animati, una delle tante èMimì e la nazionale di pallavolo

Il rock

Il rock è la dizione abbreviata dirock and rollo rock'n'roll, e, da quando si affermò questa espressione abbreviata, si svilupparono diversi sottogeneri che enfatizzavano gli aspetti più aggressivi di questo genere. La parola rock si iniziò a leggere come,roccia,e, in espressioni comehard rockcioè,roccia dura.Il rock'n'roll nacque neglianni cinquantacome musica ballabile, derivato dalboogie-woogie,ballo afro-americano del dopo guerra, il cui significato infatti, sta proprio perondeggia e ruota.Quando il rock e il rock'n'roll si differenziarono, cioè da quando appunto non furono più sinonimi, solo la seconda espressione venne intesa come forma originaria di questo genere. Storicamente un gruppo, o unabandè formata da una voce, una o piùchitarre,ilbassoe labatteria,spesso con l'inserimento dipianoforteosassofono.Negli anni settanta, soprattutto nelRegno Unito,si affacciarono artisti come iPink Floyd,Arthur BrowneSoft Machine,pronti a spaziare e a raggiungere nuove melodie musicalmente più complesse rispetto a quelle del rock primitivo, creatività che diede inizio ad una rivoluzione. In questa rivoluzione venne coinvolta anche la tecnologia, che con ilsintetizzatore,ilmoog,ilmellotron,strumenti elettronici che iniziarono a dare vita a forme compositive sempre più complesse e a sonorità completamente nuove. Lo sviluppo del rock ha condotto alla creazione di sottogeneri anche molto diversi tra di loro, che spaziano dalla ricerca virtuosistica e alla complessità compositiva delprogressive,al diretto minimalismo delpunk,passando per l'heavy metal,caratterizzato da ritmi aggressivi, e tematiche che spaziano dalla violenza anarchica alla lotta per la libertà, dai racconti storico-tragici al fantasy, dalla futilità della guerra alla condanna degli orrori del genere umano. Questi sottogeneri spesso svolgono un ruolo importante nella ricerca giovanile di una propria identità, finendo dunque col legarsi a sottoculture preesistenti o, addirittura, con il crearle.

La musica elettronica

In seguito all'invenzione delle primissime apparecchiature tecnologiche avvenute nel corso del Novecento, vennero fondati, a partire dalla seconda metà degli anni quaranta, i primi studi di registrazione dedicati alla musica elettronica.I musicisti che vi operavano erano tutti autori di composizioni d'avanguardiaatonalie concettualmente legate alla musica contemporanea. Fra essi, i più importanti includonoJohn Cage,Pierre Henry,eKarlheinz Stockhausen.A partire dagli anni sessanta, l'aumento della produzione di apparecchiature elettroniche, e la conseguentepopolarizzazione,permise alle sonorità prodotte dalle nuove tecnologie di influire su un numero sempre crescente di stili di musica popolare, come avvenne con la musica dub ed il reggae. Fra essi vanno segnalati almeno ilkrautrock,stile sperimentale emerso in Germania lungo la prima metà degli anni settantae comprendente fra i suoi esponenti gli influentissimiKraftwerk,ilsynth pop,uno dei primi stili melodici suonati con tecnologie elettroniche, lamusica house,e latechno.

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