Abbellimento

Unabbellimento,nellanotazione musicale,è unanotao un gruppo di note, detteaccessorie,di fioritura,ornamentalioausiliarie,inseriti nellalinea melodicacon funzione non strutturale, ma decorativa e/o espressiva. Il termine è passato poi a designare il complesso delle note aggiunte per variare unafrase musicalein forma dimelisma,avendo tutti gli abbellimenti come origine comune l'imitazione dellavoce.Dagli "accenti" (M. Mersenne, 1637) «inflessioni o modificazioni della voce o della parola con cui si esprimono le passioni e gli affetti naturalmente o con artifizio». Le origini risultano essere molto antiche e spesso non correlate da precisa documentazione. Nel 1700 raggiunsero nella musica, specie clavicembalistica, il massimo splendore.

È per lo più indicato mediante note più piccole rispetto a quelle facenti parte di un brano o ponendo dei simboli sopra la nota reale alla quale si appoggiano. L'interpretazione degli abbellimenti presenta difficoltà di comprensione dei simboli, il cui significato può variare in relazione alle varie epoche e ai diversiautori,nonché di ordine estetico, in quanto lasciano all'esecutore un certo margine di discrezionalità.

Fin dal loro uso in tempo barocco in Italia furono anche chiamatifioritureeaggraziature,in Franciaagréments,in Germaniaornamenti.

Le principali tipologie ornamentali sono: l'acciaccatura,l'appoggiatura,ilgruppetto,ilmordente,iltrillo,l'arpeggio,ilglissando,iltremolo,lacadenzae lafioritura.

Introduzione

La maggior parte degli abbellimenti menzionati sopra risale alperiodo barocco(XVIIeXVIII secolo), epoca nella quale sono stati più copiosamente impiegati.

Dal punto di vista storico la pratica diornarele note lunghe della melodia con trilli e mordenti più o meno lunghi, in particolare nelle conclusioni delle frasi musicali, ha una funzione specifica negli strumenti a corde pizzicate o percosse (come il clavicembalo o il clavicordo), dove il rapido smorzamento dellenotenon permetterebbe di mantenere a lungo l'effetto di "tensione emotiva" dato da dissonanze prolungate che risolvono sull'accordo di cadenza (il cosiddettoritardo armonico). Tuttavia la pratica degli abbellimenti risponde anche ad esigenze stilistiche più generali, tanto che le medesime formule di abbellimento delle cadenze si ritrovano anche nella letteratura organistica e per gli strumenti melodici come ilviolino,ilflautoe l'oboe,e finanche nella musica vocale.

Ancor più dei segni di espressione, di dinamica e di fraseggio, gli abbellimenti, a causa della loro varietà e dell'associazione a uno o all'altro strumento musicale, sfuggono a qualsiasi tentativo di classificazione esaustiva. Ogni segno può avere diverse interpretazioni, che variano secondo l'epoca, il compositore o la forma della composizione.Lo studio di ciascuno strumento musicale include generalmente la conoscenza dei principali segni di abbellimento che sono ad esso associati.

Come conseguenza di tutto questo, qualsivoglia significato dei segni di abbellimento non ha maivalore assoluto,ma corrisponde grosso modo alle convenzioni oggi prevalentemente usate nelle edizioni musicali, convenzioni che si sono stabilizzate nella seconda metà delXVIII secoloe nelle epoche successive. L'esecuzione di ciascun abbellimento, comunque, è affidata alla competenza e alla sensibilità dell'interprete e non può essere solo il risultato di una traduzione meccanica. Le indicazioni e le proposte di risoluzione degli abbellimenti, più che alla prassi esecutiva contemporanea o storica, si riferiscono in genere alle norme impartite nei corsi dei conservatori, che rappresentano una forma sintetica e semplificata della prassi del periodo classico-romantico.

Storia

Nascita delle prime fioriture

Gli abbellimenti (in senso lato) esistono fin dall'epocaellenico-romana.Il loro utilizzo si trova anche nelle musiche provenienti dall'Asiae nelcanto gregoriano,così come nelle musiche sacre dell'XIeXII secolo.

L'epoca rinascimentale e barocca

Fra la fine delXIV secoloe l'inizio delXVcompaiono nellapolifoniavocale (Ars subtilior) e nelle sue trascrizioni strumentali (ad es. nelCodice di Faenza) fioriture assai elaborate, sia melodicamente che ritmicamente. NelXVI secolola capacità di improvvisare fioriture di melodie preesistenti era considerata parte integrante del bagaglio tecnico di ogni strumentista: queste fioriture, dettepassaggi,erano costruite a partire da un repertorio di schemi didiminuzioneper ciascun intervallo melodico (per "diminuzione" si intende in questo contesto il "riempimento di un intervallo melodico con note di valore più piccolo" ). Una delle prime opere che affronta in modo sistematico, attraverso esempi, la tecnica delle fioriture per gli strumenti a tastiera è ilFundamentum organisandidi Conrad Paumann (1452).

Esempi di alcune fra le possibilidiminuzionidi un intervallo di terza ascendente (XVI secolo)

La sempre maggiore diffusione delle tecniche di fioritura in tuttaEuropasi manifesta nell'apparizione, fra la metà del XVI secolo e l'inizio del XVII secolo, di opere didattiche come laFontegara(1535) e laRegula rubertina(1542) di Silvestro Ganassi (rispettivamente dedicati alflautoe allaviola da gamba); ilTratado de glosasdiDiego Ortiz(perviola da gamba,1553); ilTransilvano(1593), trattato sulla diteggiatura dell'organo diGirolamo Diruta;laSelva de' varii passaggidiFrancesco Rognoni Taeggio(per cantori e violinisti,1620).

Tuttavia, ancora nelle prime sonate per strumento solo e basso continuo e nelle prime cantate solistiche, di area italiana (intorno al 1630), gli abbellimenti erano sporadicamente indicati nota per nota, e per il resto affidati all'improvvisazione dell'esecutore, senza alcuna indicazione. A quell'epoca i segni convenzionali di abbellimento erano pochissimi: nella musica per tastiera (ad esempio nelle raccolte inglesi per virginale) compaiono con grande frequenza due segni, consistenti in una o due barre oblique sul gambo della nota (simili alla moderna notazione deltremolo), di significato non univoco (il primo potrebbe rappresentare una sorta di acciaccatura di due note ascendenti, in battere; il secondo un mordente inferiore). Nella musica italiana si ritrova invece frequentemente una "T" indicante iltremolo,abbellimento allora consistente nella ripetizione più o meno rapida della stessa nota: il tremolo veloce riproduce l'abbellimento vocale dettoribattuta di gorgia(o semplicementegorgia), ma esiste anche un tremolo lento su note lunghe, tipicamente violinistico, che consiste invece in una modulazione di intensità ottenuta variando ritmicamente la pressione dell'arco nel corso dell'arcata. Negli strumenti a fiato il tremolo veloce era ottenuto con una sorta di trillo lungo.

Solo verso la fine del XVII secolo inizia la codifica minuziosa delle forme "classiche" di abbellimento e l'introduzione di notazioni abbreviate, soprattutto in area francese: si vedano ad esempioL'Art de Toucher le Clavecin(1716) diFrançois Couperin,iPrincipes de la flûte à bec ou flûte d'Allemagne, de la flûte traversière et du hautbois(1707) eL'art de préluder sur la flûte traversière(1719), entrambi diJacques Hotteterre.Lo stile barocco italiano, viceversa, continua più a lungo ad affidare all'estro dell'esecutore l'impiego degli abbellimenti.

Il concetto di abbellimento, in epoca rinascimentale e barocca, include due categorie ben distinte. Le diminuzioni rinascimentali, incluse le formule di cadenza, si applicano aintervalli melodici,non a singole note. Già nel Rinascimento erano tuttavia in uso alcuni abbellimenti, dettigalanterie(simili almordenteo alflattementdi epoca barocca), che si applicano a singole note indipendentemente dal contesto melodico.Nel corso del periodo barocco le formule di abbellimento codificate "migrano" progressivamente dalla prima categoria alla seconda. Ad esempio l'abbellimento oggi noto cometrillo(dettogroppoogruppo- cioè "nodo" - nel Rinascimento e nel primo barocco italiano, e semplicementecadencenel barocco francese) nasce come formula di diminuzione di una cadenza melodica (quindi di un tono discendente oppure di un semitono ascendente), ma nella codifica del XVIII secolo tende ad allinearsi alle altre forme convenzionali di abbellimento di una nota (anche perché l'uso deltrillosi sovrappone a quello deltremolo); lo stesso vale per ilgruppettoe per l'appoggiatura(nello stile barocco francese del Settecento resistono ancora alcune eccezioni, come l'abbellimento dettotierce coulée,che si applica alle terze discendenti). Viceversa, le fioriture libere largamente presenti nella pratica barocca (in genere improvvisate dagli esecutori, ma talvolta fornite come "versioni alternative" dagli stessi autori, cfr. le Sarabande delle prime treSuites inglesidiJohann Sebastian Bach) conservano il concetto rinascimentale di "abbellimento di una successione melodica" e non di singole note. È anche interessante notare che il vibrato (fr.flattement) era considerato in epoca barocca un abbellimento, non una tecnica sistematica di emissione. Al contrario, negli strumenti cordofoni a tastiera e a pizzico (come ilclavicembaloo latiorba) era uso corrente arpeggiare pressoché tutti gli accordi per graduarne l'impatto sonoro a fini dinamici ed espressivi, non come abbellimento: nella letteratura clavicembalistica, l'indicazione esplicita diarpeggiosu una sequenza di accordi significava invece che ciascun accordo doveva esserespezzatoin una successione di note veloci, secondo uno schema a scelta dell'esecutore. Verso la metà delXVIII secolola pratica degli abbellimenti è approfonditamente trattata, per gli strumenti a tastiera, nelVersuch über die wahre Art das Clavier zu spielendiCarl Philipp Emanuel Bach(1753); per il violino, nelleRegole per arrivare a saper ben suonare il violinodiGiuseppe Tartini- ripreso daLeopold MozartnelVersuch einer gründlichen Violinschuledel (1756) - e inThe art of playing on the violin(1751), diFrancesco Geminiani;per il flauto, nelVersuch einer Anweisung die Flöte traversiere zu spielen(1752) diJohann Joachim Quantz.

Nella musica romantica

A partire dalXIX secolol'utilizzo degli abbellimenti diviene progressivamente più sporadico, ad esempio lenotineche erano parte dell'abbellimento ridiventano note ordinarie, inserite nella melodia e nella misura della battuta, senza tuttavia scomparire del tutto. L'uso dell'abbellimento come tecnica di variazione di una melodia, ancora largamente presente nel periodo classico, viene progressivamente abbandonato anche in relazione a una nuova visione dei rapporti fra compositore, esecutore e brano musicale. Sul piano tecnico, inoltre, ragioni estetiche e motivi acustici legati alle crescenti dimensioni delle sale da concerto e dei teatri d'opera determinano l'adattamento di tutti gli strumenti musicali (e della tecnica vocale) nella direzione di una maggiore ampiezza dinamica, a scapito dell'agilità e della chiarezza di articolazione necessarie all'esecuzione di molti abbellimenti.

A causa di questo declino la tecnica dell'abbellimento ebbe successo alterno tra i grandi compositori ottocenteschi: se da una parte autori comePaganini,BeethoveneLisztcontinuarono ad usarli, altri comeSchumanneMendelssohnne limitarono l'uso a casi sporadici.

Un caso a parte meritaFryderyk Chopin:ilcompositorepolaccone fece un uso larghissimo, anche se strettamente "personale": con questo si intende che nelle sue scritture melodiche gli abbellimenti acquistarono un senso che fino a quel momento nessuno gli aveva mai conferito.Valzer,mazurche,polacchee opere quali inotturnifurono esempi di uso copioso degli abbellimenti in una prospettiva pienamenteromantica.

Gli abbellimenti nell'opera lirica

Fin dalXVII secolo,fra i cantanti d'operasi diffuse la pratica di esibire il proprio virtuosismo e conquistarsi l'ammirazione del pubblico mediante l'aggiunta di abbellimenti (le cosiddette "fioriture" ), soprattutto nella forma dell'aria col da capo,che imperò nel corso delXVIII secolo.IlpamphletsatiricoIl teatro alla modadiBenedetto Marcello(1720) stigmatizza fra l'altro la pratica di introdurre tali fioriture ( "passi", cioè diminuzioni, e "belle maniere", cioè abbellimenti) senza minimamente tener conto del carattere e dello stile dell'aria:

«[La VIRTUOSA] Dimanderà che gli venga, subito che si può, spedita la parte, quale si farà insegnare da Maestro CRICA con Variazioni, Passi, belle maniere, etc., avvertendo sopra ogni cosa di non intender punto il sentimento delle parole, né cercare tampoco chi glielo spieghi.[...] Avuta la Parte della second'Opera, manderà subito l'Ariette (quali per maggior sollecitudine farà copiar senza Basso) a Maestro CRICA, perché le scriva i passi, le variazioni, le belle maniere, etc. E maestro CRICA senza saper l'intenzione del Compositore quanto al tempo delle medesime e come siano concertati bassi o istromenti, scriverà sotto di esse nel loco vacuo del basso tutto ciò che gli verrà in Capo in gran quantità, perché la VIRTUOSA possa variar ogni sera.»

(Anonimo (Benedetto Marcello),Il teatro alla moda,Venezia 1720)

«Sino a tanto si fa il Ritornello dell'Arie, si ritirerà il VIRTUOSO verso le Scene, prenderà Tabacco, dirà agli Amici che non è in voce, ch'è raffreddato, etc. e cantando poi l'Aria avverta bene, che alla Cadenza potrà fermarsi quanto gli pare, componendovi sopra passi e belle maniere ad arbitrio, che già il Maestro di Capella in quel tempo alzerà le Mani dal Cembalo e prenderà Tabacco per attender il di lui commodo. Dovrà parimente in tal caso ripigliar fiato più d'una volta, prima di chiudere con un Trillo, quale studierà di battere velocissimamente a principio senza prepararlo con messa di Voce, e ricercando tutte le Chorde possibili dell'acuto.»

(Anonimo (Benedetto Marcello),Il teatro alla moda,Venezia 1720)

Fra la fine del XVIII secolo e l'inizio del XIX furono gli stessi compositori a inserire nelle arie d'opera lunghe fioriture e passaggi virtuosistici, anche nel tentativo di ricondurre il canto d'agilità entro criteri di coerenza stilistica, sottraendo spazio all'improvvisazione dei cantanti. Fu una tendenza che si affermò progressivamente nelle opere diRossini,Bellini,Donizetti.

In seguito gli abbellimenti furono impiegati con crescente parsimonia e sempre più finalizzati a mettere a fuoco la psicologia dei personaggi. Così, ad esempio, inMefistofelediBoito,gli abbellimenti sono riservati alla pazzia di Margherita ( "L'altra notte in fondo al mare" ).

Dal XX secolo ad oggi

Dall'inizio delXX secologli abbellimenti tradizionali pian piano scomparvero dalla scrittura musicale, tranne alcune eccezioni quali alcune Sonate per pianoforte diStravinskij,che, rifacendosi ad uno stileneoclassico,ne ricercavano l'utilizzo.

In questo periodo, inoltre, gli abbellimenti sono stati oggetto di studio storico da parte dellamusicologia.

Principali tipi di abbellimenti

Acciaccatura

Acciaccature in battere con risoluzioni

L'acciaccatura (oappoggiatura brevein quanto definibile anche come un'appoggiatura dalla durata brevissima) è disegnata con una o più note di valore breve. Quando è una sola nota, essa è tagliata da una linea in diagonale, per distinguerla dall'appoggiatura. Nell'acciaccatura multipla invece le note sono due o più e vengono scritte con dellesemicrome,biscrome,semibiscromeofusesenza taglietto, legate alla nota reale. Il termine acciaccatura deriva dal verboacciaccareche significaschiacciare;la nota piccola infatti toglie una frazione molto breve della durata della nota da essa preceduta o succeduta, la durata dell'esecuzione è quindi molto breve.

È possibile trovare acciaccaturesemplici,doppie,tripleointermedie;segni di appoggiature o acciaccature sono spesso frequenti, inoltre, prima degli accordi.

Le acciaccature erano eseguite per lo più inbatterenel1600,mentre prevalentemente inlevarenel1800.

Appoggiatura

L'appoggiatura è una notina di espressione che precede la nota reale e prende il suo valore da essa. Può essere di qualsiasi valore purché minore della nota reale. Se l'appoggiatura è superiore può trovarsi a distanza di un semitono o un tono. Se è inferiore, solo a distanza di un semitono. Il valore di durata dell'appoggiatura è esattamente corrispondente alla figura con la quale è segnata.

Nei tempi composti quando l'appoggiatura si trova davanti all'unità di movimento prende, generalmente, due terzi del valore della nota puntata. Fa eccezione il caso in cui in una misura composta la nota reale è costituita da una minima col punto. In questo caso, l'appoggiatura prende la metà del valore della nota reale.

Appoggiatura superiore sul Mi

Descrizione

L'appoggiatura è un tipo di abbellimento che consiste in una nota (di dimensioni ridotte) anteposta ad un'altra nota, o ad un accordo. L'appoggiatura può essere:

• superiore:quando si trova al di sopra della nota reale; in genere sta ad un intervallo di seconda minore o maggiore;
• inferiore:quando si trova ad un intervallo di seconda minore o maggiore al di sotto della nota reale.

La nota piccola toglie alla nota successiva un valore all'incirca uguale al proprio. Nel caso, però, in cui un'appoggiatura si trovi davanti ad una nota puntata, che rappresenti unità di tempo o di misura, quest'ultima viene sottratta generalmente di due terzi del proprio valore. L'appoggiatura viene praticamente sempre eseguita in battere (legandocon la nota successiva); in tal modo, alla sua evidente funzione ornamentale melodica, si aggiunge una funzione di arricchimento armonico, poiché essa costituisce in genere un elemento estraneo all'armonia della nota successiva. Ciò spiega anche il motivo per cui l'appoggiatura procede il più delle volte per grado congiunto; è questo, infatti, il movimento melodico tipico per la risoluzione di una dissonanza. In molti casi le edizioni moderne di partiture barocche, o anche classiche (come nel caso della diffusissima edizione dellesonateperpianofortediMozartcurata da Casella) presentano direttamente la risoluzione delle appoggiature originali, il che, se da un lato alleggerisce la lettura, dall'altro comporta un'evidente perdita di informazioni sulla struttura della linea melodica.

Origine storica

L'origine del fioretto denominato appoggiatura trae le sue origini da alcune forme ornamentali che vennero introdotte verso l'XI secolo dai cantori medievali nei canti gregoriani, spesso anche di difficile esecuzione. Da due di queste, detteepiphonusecephalicus,derivò laplica,che a sua volta dette origine all'appoggiatura.

Gruppetto

Segno convenzionale per il gruppetto diretto

La prima apparizione del gruppetto risale alla seconda metà delXIII secolo,nelle opere delcompositorefranceseAdam d'Arras.

Il gruppetto è un abbellimento che alterna alla nota reale la sua nota superiore e inferiore. Se viene eseguita prima la nota superiore il gruppetto è dettodiritto o diretto,viceversa se viene eseguita prima la nota inferiore il gruppetto è dettorovesciato. Il gruppetto può partire dalla nota reale o dalle note contigue, consistendo nei due casi rispettivamente di cinque o quattro note. Il simbolo per il gruppetto rovesciato è la riflessione speculare di quello per il gruppetto diretto.

Il gruppetto può essere:

• su una singola nota;
• tra due note di stessa altezza: viene generalmente eseguito come unaterzinao, fondendo la nota fondamentale e quelle dell'abbellimento, in una quartina;
• tra due note di differente altezza: viene eseguito come parte del valore della prima nota, e lo si può sviluppare come quartina o comequintina;

In base al ritmo, il gruppetto può avere le seguenti caratterizzazioni:

• su una nota puntata: viene eseguito come una quartina se è sulla nota reale;
• su una nota puntata con ritmo binario: viene eseguito in genere come una terzina e sul punto cade la nota reale;
• su una nota puntata o legata che indica l'unità di un tempo nelle misure ternarie o di tempo composto: viene eseguito al posto del punto o della nota legata;
• in un ritmo sincopato: viene eseguito sul tempo forte;
• su una nota il cui abbellimento inizia con una nota della stessa altezza della nota reale: viene eseguito con la nota reale al fine di non interrompere l'andamento della melodia, l'abbellimento è quindi di cinque note;
• nei tempi veloci: è in genere una quartina o una quintina che occupa tutto il valore della nota ornata;
• in un accordo: viene eseguito insieme all'accordo.

Mordente

Mordenti semplici con risoluzioni.

Risoluzioni con nota anteposta.

Il mordente è un abbellimento il cui effetto è la rapida alternanza di tre, quattro o cinque note, pergrado congiunto.L'esecuzione è in genere effettuata con la figura che rappresenta l'unità di suddivisione di terzo grado nel tempo del brano, ciò non esclude che si possa eseguire anche con quella di quarto grado, soprattutto nei tempi lenti. Deve essere eseguito sempre in battere.

Il mordente può essere:

• semplice:il mordente è semplice quando le note ad alternarsi sono tre. Può essere superiore o inferiore:
  • superiore:la prima è la nota reale, sulla quale è posto il simbolo stesso del mordente; essa muove pergrado congiuntoalla nota successiva (secondo la disposizione diatonica) e poi nuovamente alla nota reale. Questo tipo di mordente non è mai stato usato nella musica barocca.
  • inferiore:la prima è la nota reale, sulla quale è posto il simbolo stesso del mordente; essa muove pergrado congiuntoalla nota precedente (secondo la disposizione diatonica) e poi nuovamente alla nota reale.
• doppio:il mordente è doppio quando è costituito dall'unione di due mordenti, indipendentemente dal fatto che siano inferiori, superiori o di tipo diverso. L'effetto sarà una quartina o cinquina di note eseguite con la suddivisione di terzo grado sulla prima suddivisione della figura sulla quale è posto. Se la figura stessa è una suddivisione, il mordente la occuperà per intero (generando untrillo)

Sopra o sotto i mordenti è possibile trovare delle alterazioni (bemolle$\flat$,diesis$\sharp$o bequadro$\natural$) che si riferiscono alla seconda nota ausiliaria del mordente (e anche alla quarta nel caso di mordente doppio).

Appena prima del mordente ci può essere un'ulteriore nota ausiliaria superiore o inferiore che serve in genere per far sì che l'andamento della melodia non si interrompa. A seconda della durata di questa nota iniziale e dello stile con cui viene suonata esistono due varianti:

• una piccola linea verticale posta davanti al mordente significa che l'esecutore dovrà mettere un piccolo accento o perlomeno soffermarsi sulla nota ausiliaria: a seconda se la linea è posta al di sopra o al di sotto del mordente la nota ausiliaria sarà superiore o inferiore;
• una piccola linea verticale e ricurva verso l'esterno posta davanti al mordente significa che l'esecutore dovrà eseguire la nota ausiliaria senza soffermarsi troppo facendo se vuole un leggero rallentando: a seconda se la linea ricurva è posta al di sopra o al di sotto del mordente la nota ausiliaria sarà superiore o inferiore.

Nellamusica modernaeromanticail mordente semplice può essere eseguito come se fosse unaterzina.

Trillo

Segni grafici del trillo

Esecuzione di un trillo diretto

Il trillo è il rapido alternarsi della nota reale con l'ausiliaria superiore (mai inferiore, a differenza del mordente), pergrado congiunto.La durata di ogni nota dell'abbellimento è conforme all'andamento del brano (più lenta se in unAdagioe più veloce in unAllegro).

Secondo le convenzioni moderne (in uso a partire dalla fine del XVIII secolo) il trillo può essere:

• diretto:inizia con la nota reale;
• rovesciato:inizia con una nota ausiliaria (in genere un'acciaccatura) superiore o inferiore alla nota reale. Nellemusiche baroccheveniva utilizzato come segno grafico un mordente che alla sua sinistra aveva un segnetto rivolto verso l'alto o verso il basso a seconda che la nota ausiliaria fosse superiore o inferiore;
• doppio:quando è eseguito contemporaneamente su due suoni in genere a distanza di terza maggiore o minore;
• con preparazione:quando ha alcune note di valore minimo prima dell'inizio del trillo dalla nota reale;
• con chiusura:quando alla fine del trillo ci sono alcune note prima della nota successiva a quella ornata;
• con alterazione:presenta un simbolo di alterazione (bemolle$\flat$,diesis$\sharp$o bequadro$\natural$) sopra al trillo e si riferisce alle note ausiliarie;
• posto su una nota puntata:il suo valore dura generalmente fino alla durata della nota reale escluso il punto;
• posto su due note legate:il suo valore dura generalmente fino alla durata della nota reale esclusa l'altra nota legata;
• misurato:è misurato con gruppi di note a seconda dell'andamento del brano che presenta figure ritmiche prestabilite;
• libero:in tutta la durata del trillo è possibile effettuare variazioni sullo stesso sia di velocità, che di intensità di suono che di interpretazione.

Nel caso che la nota successiva a quella abbellita sia dello stesso nome e suono di quella precedente si evita di ripetere la nota reale prima della nota successiva.

Il trillo è l'abbellimento di uso più frequente nelle cadenze delle frasi musicali in tutta la musica strumentale e vocale dei secoli XVII e XVIII. Gli esecutori nonstoricamente informatisi scontrano spesso con l'interrogativo se il trillo, nella musica barocca, debba iniziare dalla nota reale o dalla nota superiore. Si ritiene correntemente che nello stile barocco il trillo debba cominciare dalla nota superiore, ma la questione è più sottile. Nella prima metà del XVII secolo, il trillo compare come una modalità di esecuzione deltremolo,e pertanto inizia dalla nota reale. La formula di cadenza che si afferma nella letteratura barocca successiva, tuttavia, consiste in un trillo preceduto da un'appoggiatura, generalmente superiore (e concluso da una o piùnotine di risoluzione). Questa forma di abbellimento, pertanto, inizia prevalentemente dalla nota superiore (che è in realtà l'appoggiatura preparatoria del trillo, e può essere anche molto lunga), o più raramente dalla nota inferiore, ma non dalla nota reale:

(FR)

«Chaque tremblement commence par le port de voix, qui est devant la note & qui se prend ou d'en haut ou d'en bas [...]. La fin de chaque tremblement consiste en deux petites notes, qui suivent la note du tremblement & qui sont jointes dans la même vitesse [...]. Quelquefois ces deux petites notes sont écrites, mais lorsqu'il n'y a que la simple note, on doit sousentendre & le port de voix & le coup d'après; parce que sans cela le tremblement ne seroit ni parfait ni assez brillant»

(IT)

«Ogni trillo inizia con l'appoggiatura, posta davanti alla nota [reale] e che può essere superiore o inferiore [...]. La conclusione di ogni trillo consiste in due notine, che seguono [per grado congiunto] la nota reale del trillo e che ad esso si aggiungono alla medesima velocità [...]. Talvolta queste due notine sono scritte, ma quando è indicata solo la nota reale, si devono sottintendere sia l'appoggiatura sia le notine di risoluzione; poiché senza di queste il trillo non sarebbe né completo né sufficientemente brillante.»

(Johann Joachim Quantz,Essai d'une methode pour apprendre à jouer de la flute traversiere,Berlin 1752, p.86)

Arpeggio

Arpeggio

Arpeggio con note mantenute

Il termine arpeggio deriva dalla parolaarpa,poiché è un abbellimento derivante dalla tecnica di questo strumento;è utilizzato negli strumenti a tastiera.

L'arpeggio, anche noto come arpeggiato o arpeggiamento,è un abbellimento che si applica a unaccordo,detto quindiarpeggiatoospezzato,in cui le note vengono eseguite in successione più o meno rapida anziché simultaneamente. L'arpeggio viene suonato generalmente dalla nota più bassa a quella più alta; nel caso occorra suonarlo alla rovescia (viene allora dettorovesciato), ciò può essere indicato da una lineetta trasversale sull'accordo. Nel caso in cui la lineetta sia dal basso verso l'alto, l'andamento dell'arpeggio va dalla nota più grave alla più acuta; viceversa nel caso in cui la lineetta sia dall'alto verso il basso l'andamento dell'arpeggio va dalla nota più acuta alla più grave. Nel caso in cui non sia posto questo segno l'arpeggio può essere eseguito a libera interpretazione di chi lo suona, seguendo generalmente l'andamento della melodia.

Nelle partiture pianistiche se il segno dell'arpeggio si trova su tutti e due i pentagrammi (in chiave di basso e di violino) alla stessa posizione di una certa battuta ci possono essere due tipi di esecuzioni:

• le note dell'arpeggio devono essere eseguite una dopo l'altra partendo dalla chiave di basso fino a quella di violino (o viceversa) nel caso in cui il segno di arpeggio abbracci tutti e due i pentagrammi senza interrompersi;
• le note dell'arpeggio devono essere eseguite contemporaneamente sia sulla chiave di basso che su quella di violino (in modo ascendente o discendente) nel caso in cui il segno di arpeggio si interrompa tra i due pentagrammi.

Tra le varianti di esecuzione di un accordo, ce ne sono anche alcune riguardanti la durata delle singole note facenti parte dell'accordo. Le note dell'accordo infatti, oltre ad essere eseguite in successione, possono essere anche pizzicate, legate (e quindi non mantenute), o mantenute una dopo l'altra per tutta la durata dell'accordo. In genere se quest'ultima risoluzione ha una certa importanza l'autore lo specifica realizzando le note dell'accordo con legature di valore che si trascinano fino all'ultima nota.

Glissando

Notazione del glissando

Il glissando o glissato (dalfranceseglisser,"slittare, scivolare") consiste nell'innalzamento o nell'abbassamento costante e progressivo dell'altezzadi un suono, ottenuto a seconda dei vari strumenti in diversa maniera.

Il glissando viene segnato facendo seguire alla nota iniziale una linea nella direzione voluta e corredata spesso dall'abbreviazionegliss.;a volte è utilizzata una linea a serpentina. Nella notazione per voce, inizialmente fu utilizzata una legatura non dissimile dalle legature di frase, ma limitata a due note adiacenti di altezze diverse.

Il glissando propriamente detto è quello che può produrre la voce umana, uno strumento ad arco come ilviolino(facendo strisciare il dito su una corda)o iltromboneacoulisse;in questo caso, infatti, non si percepisce il passaggio fra le note perché la transizione avviene senza soluzione di continuità.Spesso, però, il termineglissandosi applica anche ad alcuni effetti che vi si avvicinano, come quelli ottenibili con gliottonio anche con l'arpa e con icordofonia tasto. In realtà, l'arpa o il pianoforte non permettono di eseguire un "vero" glissando, dato che essi possono produrre solo note con intervalli (toni e semitoni) predefiniti.

Tremolo

Tremoli su note singole

Tremoli su coppie di note

Il nome tremolo è usato per abbellimenti diversi a seconda degli strumenti che ne fanno uso. Generalmente consiste nella ripetizione molto rapida di una nota per la durata della nota stessa (a differenza del trillo, in cui si alterna la nota reale con quella superiore).

Il segno grafico del tremolo è dato da strisce spesse e oblique. Se si tratta di un tremolo eseguito sulla stessa nota allora il segno sta sul gambo della nota stessa, se il tremolo è eseguito con due note allora il segno viene posto tra le due; la notazione antica riguardo al tremolo eseguito con due note prevedeva anche che si mettessero le due note sotto forma di bicordo e poi che si applicasse il segno del tremolo sopra di esso.

Negli strumenti ad arco consiste nella veloce ripetizione della stessa nota e si ottiene con movimenti molto rapidi dell'arco in giù e in su. Questa tecnica fu usata per la prima volta nelSeicentodaClaudio MonteverdinelCombattimento di Tancredi e Clorinda(1624). Sempre con gli archi è possibile applicare la tecnica delditeggiato,che consiste nel tremolo applicato a due diverse note ripetute su una stessa corda.

Gli strumenti a tastiera imitano il tremolo degli archi; fu molto usato nelXIX secolo.Il tremolo è simile al trillo e può essere anche qui eseguito su una singola nota o su due note che si ripetono ad unintervallodisgiunto (minimo una terza). Le note rapidamente alternate possono essere singole, bicordi o interi accordi. Il tremolo crea una sonorità piena ed è usato nei brani pianistici per imitare i massicci ripieni orchestrali (specie nelle riduzioni pianistiche e nelle trascrizioni, ma non solo) o per sostenere a lungo un'armonia. Già presenti nelle sonate diBeethoven,passaggi a tremolo furono molto usati nella musica pianistica romantica; un esercizio di tremolo pianistico è il brano n. 60 di "Hanon- Il pianista virtuoso ". Celebri studi sul tremoloFranz Lisztsono lo studio n.1 dei6 studi d'esecuzione trascendentale da Paganinie lo studio n.12Chasse-neigedei12 Studi d'esecuzione trascendentale,entrambi diFranz Liszt.Il tremolo su due note è spesso utilizzato anche nella musica moderna, per esempio nelblues.

Anche glistrumenti a fiatousano il tremolo che, quando è indicato su una sola nota, viene eseguito tramite la tecnica delfrullato:questa tecnica consiste nel soffiare pronunciando contemporaneamente le consonanti "tr", "dr" o "vr" per far vibrare la parte anteriore della lingua oppure la consonante "r" (pronunciata come la "r" moscia francese) per far vibrare la parte posteriore della lingua.

La figura del tremolo era caratteristica anche nella musica vocale delXVII-XVIII secolo.

Cadenza

Il termine cadenza, nella sua accezione di abbellimento, è usato per esprimere una successione veloce di note di uno o piùaccordi,dal carattere virtuosistico, che vengono eseguite solitamente prima della chiusura del brano.

La grafia delle note è a caratteri piccoli e l'esecuzione è liberamente interpretata dal suonatore. Può essere considerata simile alla fioritura in quanto rappresenta un riempimento tra una nota o un accordo e la nota o accordo successivo; può essere usata anche come abbellimento eseguito in contemporanea con un accordo alle ultime battute finali di un brano fino alla sua definitiva conclusione. Oltre che per mettere in risalto le doti tecniche di un cantante o di uno strumentista, la cadenza serviva anche per rallentare un brano, per creare una sorta di pausa all'interno di una composizione.

NelXVIII secoloera rappresentata da unpunto coronato:il cantante o il musicista poteva sbizzarrirsi per tutta la durata della cadenza conformemente alla sua capacità di improvvisazione. Jean-Jacques Rousseaunel suoDictionnaire de musique"(1767) spiega così la cadenza:

«L'autore lascia a libertà dell'esecutore, affinché vi faccia, relativamente al carattere dell'aria, i passaggi più convenienti alla sua voce, al suo istrumento ed al suo gusto. Questo punto coronato si chiama cadenza perché si fa ordinariamente sulla prima nota di una cadenza finale, e si chiama anchearbitrio,a cagione della libertà che vi si lascia all'esecutore di abbandonarsi alle sue idee e di seguire il suo gusto. La musica francese, soprattutto la vocale, che è estremamente servile, non lascia al cantante alcuna libertà in tal sorta, ed il cantante sarebbe pertanto assai perplesso nell'usarne.»

L'uso smodato che ne facevano gli esecutori portò ben presto ad una trascrizione su carta della cadenza scritta dal compositore e non più liberamente interpretabile dall'esecutore. Il primo fuGioachino Rossiniche obbligò i cantanti ad eseguire esattamente ciò che trovavano scritto, abolendo così l'improvvisazione di tale abbellimento. Lo stesso Rossini in una lettera del1851rivolta a Ferdinando Guidicini scrisse:

«Qualche abile cantante suole talvolta sfoggiare in ornamenti accessori; e se ciò vuol dirsi creazione, dicasi pure; ma non di rado accade che questa creazione riesca infelice, guastando, ben di sovente, i pensieri del maestro, e togliendo loro quella semplicità di espressione che dovrebbero avere.»

Era raro trovare abusi da parte degli strumentisti nelle cadenza, poiché quasi sempre queste erano riservate a strumenti solistici, i quali erano suonati dagli autori stessi.

Fioritura

Fioritura dal concerto in Fa minore diFryderyk Chopin(nella partitura a stampa le note della fioritura sono di dimensione inferiore allo standard)

La fioritura è una successione di note veloci, che non di rado contengono passaggi cromatici, inserita in qualsiasi punto del brano ed eseguita quasi improvvisando, senza rigide regole ritmiche.

L'origine della parola deriva probabilmente daflorificatio vocis,da cui derivano anche il contrappunto fiorito e lo stile fiorito.

La fioritura può presentarsi come:

• una variazione della melodia che la precede;
• una nuova melodia autonoma;
• un passaggio ornamentale tra la melodia precedente e quella successiva.

L'impiego della fioritura assunse il suo massimo tra ilXVIIe ilXVIII secoloanche se precedentemente fu usata anche da altri compositori comeClaudio Monteverdi;durante questi due secoli la sua funzione era prevalentemente ornamentale e virtuosistica.Con il melodramma dell'Ottocento,in ambito vocale la fioritura assunse progressivamente una valenza drammaturgica, impiegata per marcare determinati stati psichici dei personaggi, quali l'euforia, la rabbia o la follia. In ambito strumentale, l'uso della fioritura si incontra nelXIX secolosoprattutto nella letteratura pianistica.

Bibliografia

• Grande Enciclopedia della Musica Classica.Roma, Curcio.
• Luigi Rossi.Teoria musicale.Bergamo, Edizioni Carrara, 1977.
• Nerina Poltronieri.Lezioni di teoria musicale.Roma, Edizioni Accord for Music.
• Marcello Oddo,La storia, la teoria e la pratica degli abbellimenti,Parisi, 2005, p. 64,ISBN978-88-88602-53-0.
• Walter Emery,Gli abbellimenti di bach,a cura di S. Romano, Edizioni scientifiche italiane, 1998, p. 179,ISBN978-88-8114-559-1.
• Pietro Lichtental,Dizionario e bibliografia della musica,Milano, Pier Antonio Fontana, 1826.URL consultato il 25 dicembre 2009.
• Ottó Károly,La grammatica della musica,Torino, Einaudi, 2000,ISBN88-06-15444-3.

Voci correlate

• Notazione musicale

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Collegamenti esterni

• appoggiatura,susapere.it,De Agostini.
• (EN)ornamentation,suEnciclopedia Britannica,Encyclopædia Britannica, Inc.