Música eletrônica

Música eletrônica
Origens estilísticas	Modernismo Futurismo
Contexto cultural	1896,Estados Unidos
Formas derivadas	Música psicadélica Noise New wave (gênero musical) New age (música) Electronic dance music Hip hop Dub Música ambiente

Amúsicaeletrónica^{(português europeu)}oueletrônica^{(português brasileiro)}é todamúsicaque é criada ou modificada através do uso de equipamentos e instrumentos eletrônicos.Por sua história, passa de uma vertente damúsica erudita(fruto do trabalho de compositores visionários) a um elemento damúsica popular,primeiramente bastante relacionado aorocke posteriormente discernindo-se como umgênero musicalpróprio (principalmente relacionado com a música popular nos sub-estilos considerados dançantes tais como otechno,acid house,tranceedrum 'n' bass,desenvolvidos a partir do auge damúsica discono final dadécada de 1970). Atualmente existem várias ramificações do estilo, tanto eruditas como populares

Originalmente relutada por ter sua tecnologia evoluída muito mais rapidamente que suaestética,só passou a ter princípios e tradição após aSegunda Guerra Mundial,com o trabalho de franceses namúsica concretae de alemães naElektronische Musik.

História

Pré 1800 - XVIII

O Denis D'or, o "Golden Dionysis", era um instrumento de teclado one-off no início construída pelo teólogo tcheco e pioneiro da pesquisa elétrica Václav Prokop Diviš (1698-1765). Descrito como um "orchestrion" por causa de sua capacidade de imitar os sons de instrumentos de sopro e de cordas, é muitas vezes descrito como o primeiroinstrumento musical eletrônico.Contudo, devido à falta de documentação histórica detalhada e relatórios contemporâneos conflitantes, esta afirmação permanece incerta.

Vários relatos descrevem o instrumento como um instrumento eletroacústico onde as cordas vibram usando eletroímãs: em 1730, o pregador da Morávia Prokop Diviš produzia o som gerado pela excitação eletromagnética de cordas do piano. Ele chamou sua invenção Denis D'or. Seus experimentos foram baseados na excitação eletromagnética de cordas do piano, mas não poderia prevalecer apesar do interesse considerável inicialmente para o público. Ainda parece improvável que a relação entre eletricidade e eletromagnetismo só se tornou compreendido tão tarde quanto 1820. Outros relatos sugerem os sayadins que o Denis D'or foi uma piada elaborada pelo qual o cantor poderia ser eletrocutado pela vontade do inventor.

Diviš cobrava as cordas do instrumento com uma carga elétrica temporária, a fim de alguma forma "purificar e melhorar a qualidade do som" que conduz ao instrumento que era descrito como um "instrumento musical eletrônico" (Johann Ludwig Fricker depois de testemunhar a Denis D'or em 1753). No entanto, com brincadeiras intrincados nos salões da nobreza estar na moda na época da construção do Denis D'or, parece provável (e também tendo em conta o desenvolvimento histórico do eletromagnetismo) que o instrumento era apenas um dos muitos truques de proto-elétrica do período barroco e Rococó em vez de um sério candidato ao título do primeiro instrumento eletrônico.

O console de umtelarmóniodeThaddeus Cahill,1897

Década de 1850 a 1940: os primeiros artistas e equipamentos

A habilidade de gravar sons é absolutamente necessária para a produção de música eletrônica, e é certamente bastante útil. O primeiro precursor dofonógrafofoi inventado em 1857 quandoLeon Scottgravou pela primeira vez impressões de som emcilindrosrevestidos emcarbono.Duas décadas depois, em 1878Thomas A. Edisonpatenteou o fonógrafo, que utilizava cilindros similarmente ao dispositivo de Scott. Apesar do mecanismo ter se mantido inalterado por um tempo,Emile Berlinerdesenvolveu o fonógrafo em disco em 1897.

Data de 1897 o mais antigo instrumento musical eletroacústico. Foi uma invenção deThaddeus Cahill,conhecida comodinamofoneoutelarmónio.A máquina consistia numdínamoeléctrico,associados aindutoreseletromagnéticoscapaz de produzir diferentesfrequênciassonoras. Estes sinais eram comandados por umtecladoe um painel de controlos e difundidos pela linha telefónica, cujos terminais estavam equipados comamplificadoresacústicos, colocados em locais públicos. Veio a verificar-se que a emissão musical interferia com as chamadas telefónicas, o que era insustentável. O instrumento tinha a capacidade de sintetizar sons com ostimbresdesejados, por sobreposição de parciaisharmónicos.O sistema que permitia este desempenho tornava a máquina extremamente complexa e de dimensões gigantescas. O compositorFerrucio Busonimostrou interesse pela invenção, potencialmente geradora de novos conceitos harmónicos, não tendo no entanto apoiado directamente o projecto. A tecnologia foi posteriormente usada para o desenvolvimento doórgão Hammond.Entre 1901 e 1910, Cahill desenvolveu três versões maiores e mais complexas que o original, a primeira pesando setetoneladas,e a última, acima de duzentas. Com a queda do interesse público, em 1912 a empresa de Cahill estava falida.

Um modelo dasOndas Martenot

O teremim e o movimento futurista

Com o final daPrimeira Guerra Mundialos primeiros avanços foram no sentido de tornar os equipamentos mais económicos e compactos. Uma dessas invenções foi oteremim,desprovido de teclado, munido de dois detectores de movimento que controlavam ovolumee a altura do som a partir do movimento livre das mãos do executante. Um outro exemplo de instrumento é oOndas Martenot,inventado em 1928 por Maurice Martenote usado em obras como "Turangalîla" e "Trois Petites Liturgies" deOlivier Messiaen.Mais tarde surgiram instrumentospolifónicoscomo oGivelete oórgão Hammond,cujos potenciais foram imediatamente reconhecidos e explorados. O Givelet tinha a capacidade de ser programado, o que foi mais tarde largamente ultrapassado pelossintetizadorese peloscomputadoresque viriam a surgir cerca de 25 anos mais tarde. Produzido porLaurens Hammonda partir da fundação de sua empresa em 1929, o órgão Hammond era baseado nos princípios do telarmónio junto com outras tecnologias como as primeiras unidades dereverberação.

O movimentofuturista,iniciado naItáliapelo poetaFilippo Marinetti,rapidamente expandiu-se pelaEuropa,na defesa da liberdade da expressão artística, que se revelou na música pela utilização de técnicas de produção sonora não convencionais até então, dando-se valor ao que é considerado "barulho".Luigi Russolopropôs, nadécada de 1910,emThe Art of Noises,a composição musical a partir de fontes sonoras do meio ambiente, na busca da variedade infinita dos ruídos. O efeito prático desta proposta foi a construção de instrumentos produtores de ruído como oIntonarumori.O primeiro concerto da sérieThe Art of Noisesocorreu em 21 de abril de 1914, e em junho concertos similares ocorreram emParis.

O compositor francêsEdgard Varèse,foi pioneiro na exploração de novos conceitos de expressão musical. A sua técnica de instrumentação revelava uma ruptura com a escola vigente noConservatório de Paris,quebra essa absolutamente necessária para a aceitação de fontes electrónicas na composição musical. O conceito de análise e de "regenese" dos sons foi explorado por Varèse na sua obra instrumental, obrigando-o a utilizar os instrumentos como componentes de massas sonoras de diferentestimbres,densidades evolumes.As aspirações de Varèse no campo da música electrónica foram bloqueadas por razões financeiras e pelo deficiente apoio que recebeu. As obras teóricas de Thérémin, inventor do instrumento com o mesmo nome, debruçavam-se sobre os princípios analíticos na música, de forma sistemática e científica, antecipando a metodologia da composição de música electrónica.

Na França, um dos instrumentos eletrônicos mais famosos são asondas Martenot,inventadas em 1928 porMaurice Martenot,e desenvolvidas para reproduzir os sons microtonais encontrados namúsica hindu.Após demonstração por Maurice em Paris, compositores começaram a utilizar o instrumento. Já otrautôniotambém foi inventado em 1928, e em 1940Richard Strausso utilizou.

Essa nova classe de instrumentos microtonais por natureza foi adotada lentamente pelos compositores, mas, a partir do início da década de 1930, houve um aumento substancial de novos trabalhos incorporando esses e outros instrumentos eletrônicos.

Uma fita cassete usada emmagnetofones

Novos equipamentos magnéticos

Darius MilhaudePercy Graingerutilizaram a capacidade de gravação e reprodução emvinilpara deformar sons gravados através da variação da velocidade de leitura. Hindemith interessou-se especialmente pela capacidade de reproduzir os sons dos instrumentos acústicos eletronicamente, ideia que Varèse conseguiu contornar. Nadécada de 1930,os principais avanços foram nos sistemas degravação.Depois de tentado um sistema de gravaçãoóptica,revelou-se mais vantajosa a gravação emsuporte magnético.O maior avanço ocorreu naAlemanhaem 1935, com a invenção domagnetofone,que utilizava fitas plásticas impregnadas de partículas deferro.A fita magnética não permitia no entanto a visualização por meio de gráficos do som, desvantagem que teve pouca importância. Até 1945, as principais linhas de desenvolvimento foram na concepção do som musical, no interesse pelos princípios da acústica, que permitiram o avanço no campo da música electrónica.

Década de 1940 e 1950: música concreta eElektronische Musik

ASegunda Guerra Mundialforçou o desenvolvimento tecnológico a vários níveis que, cessado o fogo, se revelou determinante no progresso da música electrónica. O clima de reconstrução económica proporcionou incentivos de várias instituições, sobretudo dasemissoras de rádio,que dispunham deestúdiosbem equipados. Em 1946, oENIACfoi inventado, o primeirocomputadorno sentido moderno da palavra. EmPariseColóniaestabeleceram-se duas diferentes correntes na música eletroacústicaque duraram toda a segunda metade doséculo XX:respectivamente a corrente damúsica concretae aElektronische Musik.

A partir do fim da década de 1950 o termomúsica eletroacústicacomeça a ser adotado. Ele designa a música de instrumentos acústicos gravados, cujas gravações podem ser manipuladas, combinadas, montadas e superpostas.

Desenvolvimentos dos franceses

O grupo francês foi resultado da iniciativa dePierre Schaeffer,engenheiro eletrotécnico, criador do conceito de música concreta, assim chamada por partir da gravação e transformação em estúdio de objetos sonoros (sons do ambiente, dos ruídos aosinstrumentos musicais) recusando a utilização de instrumentos electrónicos. Eles foram responsáveis pelas primeirasmixagens.Na mesma época,Paul Boisseletrealizava experimentos comosciladoreseletrônicos. As primeiras composições de Schaeffer, que incluíam a manipulação sonora por meio da variação da velocidade ou do sentido de leitura das gravações, tinham um efeito musical fraco, incoerente pela sua natureza fragmentária. Em 1948 foi apresentada peçaEtude aux chemins de fer,e no ano seguinte,Variations sur une flûte mexicaine,outra obra da música concreta. Mais tarde, com a melhoria da tecnologia e em associação com ocompositorPierre Henrye oengenheiroJacques Poullin,fundando em 1958 oGroupe de Recherches Musicales,surgiram as primeiras composições de resultado satisfatório:Symphonie pour un homme seul,primeira sinfonia de música concreta,e a óperaOrpheé 51,esta última utilizando aparelhos como oMorphophonee osPhonogènes,que operavam sobre gravações emfita magnética.

Pierre Boulezem 2004

Curso de Verão de Darmstadt

Como resultado do desacordo gerado entrefrancesesealemães,no curso de Verão deDarmstadt(1951), Schaeffer publicou o ensaioEsquisse d’un solfège concretque veio reafirmar e sistematizar as suas ideias no panorama de então. Os seus estudos levaram-no à publicação, em 1966, deTraité des objets musicaux,com base dos estudos preliminares de Esquisse d’un solfège concret. Nesse trabalho, Schaeffer estabeleceu 33 critérios de classificação divididos pelas três dimensões fundamentais do fenómeno sonoro – o plano harmónico, o plano dinâmico e o plano melódico – que permitiam 54 mil combinações distintas.

Apesar dos estudos aprofundados que efectuou, Schaeffer não conseguiu mais do que meras ligações passageiras com compositores comoBoulez,Messiaen,Milhaud,VarèseeStockhausen,estes talvez desencorajados pelos resultados sonoros pouco refinados. À medida que técnicas de processamento electrónico se tornavam mais aceitas, os princípios da música concreta perdiam prosperidade. A conjuntura forçou Schaeffer à mudança para um perspectiva mais universal -experiences musicales– o que levou à aproximação ao conceito daElektronische Musik.No início dosanos 1960,Henry fundava o seu próprio estúdio,Xenakiscomeçava já a utilizar os computadores, dois exemplos entre as muitas outras linhas de inovação, chegando assim ao fim o monopólio de Schaeffer.

No curso deDarmstadtoscientistasRobert BeyereMeyer-Epplerapresentaram trabalhos sobre a síntese sonora electrónica que despertaram o interesse de alguns dos compositores presentes, entre elesHerbert Eimert.Os três homens formaram uma associação informal que, com o apoio do director técnico daRádio de Colónia,foi pioneira na criação de estúdio de música electrónica na Alemanha. As primeiras experiências musicais, apresentadas emParis,datam de 1952 e revelam a utilização de técnicas deserialismointegral, na sequência do desenvolvimento pósSegunda Escola de Viena.Os processos de composição seriais foram motor do desenvolvimento da síntese electrónica, com o intuito de poder manipular, individualmente, cada uma das propriedades dos sons, distanciando-os assim da sua origem primitiva. A grande questão punha-se: "será que os sons electrónicos, enquanto fonte universal de material sonoro, podem gerar um sistema estruturador coerente correspondente ao tonalismo?" A resposta estaria num estudo mais aprofundado da síntese sonora, com base nos conhecimentosmatemáticosdaacústicamusical. Foi consensual que o gerador de sinais era o instrumento mais adequado como fonte do material electrónico. Produz sons sinusoidais (simples) que, sobrepostos, formam todos os outros sons. Outros aparelhos foram utilizados, para além do gerador de sinais: geradores de ruídos, omonocórdio,e omelocórdio- um instrumento com a capacidade de produzirKlangemodelle(sons formados pela sobreposição de determinadasfrequências).

Karlheinz Stockhausenem 2005

Desenvolvimentos de Stockhausen

O estúdio foi amplamente divulgado na comunidade musical.Stockhausenfoi um dos compositores que estabeleceu uma longa ligação com o estúdio. Lá, realizou muitas das suas obras, entre elas osStudier IeII.Utilizou nesses estudos ferramentas como o cálculo de frequências com base em relações harmónicas, oserialismode intensidades e durações, oecoe areverberação,a inversão sonora ou anote mixtur.A técnica da note mixtur baseia-se na sobreposição de sons sinosoidais que não apresentam relações harmónicas com um som fundamental. Na produção do efeito de reverberação, utilizavam-se inicialmente câmaras de reverberação onde o som era emitido e regravado. Caíram em desuso pelo espaço que ocupavam e foram substituídas por métodos mais simples. Para a modulação dos sons eram empreguesfiltrosafinados para certos centros de frequências, que permitiam favorecer ou empobrecer o som num certo campo de harmónicos.Kontakte(1958-1960) é uma das obras mais importantes de Stockhausen, que combina sons electrónicos com a execução, em tempo real, de partes parapianoepercussão.

Em 1956, o músico compôsGesang der Jünglinge,o primeiro trabalho de grande porte do estúdio de Colónia, baseado em um texto doLivro de Daniel.A obra é citada como inaugural damúsica eletroacústica.Paralelamente, um desenvolvimento tecnológico importante foi a invenção do sintetizadorClavivoxporRaymond Scotte auxílio deRobert Moog.

Erase-record-replay

A tecnologiaerase-record-replaydesenvolvida inicialmente para a produção de eco, foi aí explorada de outras formas, na criação deloops,por exemplo. Outra das características importantes na obra é a utilização da espacialização, através da colocaçãoaltifalantesde forma conveniente no espaço de execução. Outros compositores, tais comoBrün,Hambräus,Heiss,Kagel,Koenig,LigetiePousseurcontribuíram para a extensa produção do estúdio de Colónia. Estes criadores deeletronische musik,constituíram a face oposta à corrente francesa da música concreta, complementando-se no desenvolvimento daeletroacústicaaté meados da década de 1960.

Música computacional

Surge o conceito damúsica computacional,gerada ou composta como o auxílio de um computador. É também um ramo de estudo que examina tanto a teoria quanto a aplicação de tecnologias na área de música. Muito do trabalho nessa área está na relação entre ateoria musicale amatemática.A primeira composição de computador foi gerada naAustráliaporGeoff Hillno computadorCSIRAC.Posteriormente,Lejaren Hillerusou um computador nadécada de 1950para produzir trabalhos que eram então executados por músicos convencionais. É o compositor daSuite Illiac(1956), a primeira inteiramente automática e programada.O trabalho deMax MathewsnosLaboratórios Bellresultaram no influenteprograma de computadorMUSIC I.Pierre Barbaud,que já havia proposto em 1950 a introdução da matemática na composição musical, fundou o grupo de música algorítmica em 1958 junto comRoger Blanchard.

Expansão mundial

A partir da década de 1950, diversos grupos de pesquisa desse novo ramo de música fomentado por franceses e alemães estavam sendo abertos pelo mundo.O laboratório de música experimental daUniversidade de Colúmbia,Estados Unidos(1953), o estúdio experimental deHerman ScherchennaSuíça(1954), um estúdio de música experimental noJapão(1954), oStudio di FonologiadaitalianaRAI(1955), um estúdio de música experimental naPolônia(1957). A intensificação das pesquisas resultou em novos instrumentos, como um sintetizador controlado por uma fita depapel perfurado,começando a era dos sintetizadores.

Década de 1960 e 1970: sintetizadores pessoais e as músicas populares

MinimoogVoyager, umsintetizadoranalógico

Devido à complexidade em compor com um sintetizador ou computador, a maioria dos compositores continuava a explorar a música eletrônica usando omúsica concretaainda nadécada de 1960.Mas como tal estilo não era gracioso, alguns compositores iniciaram pesquisas para melhorar a tecnologia nesse sentido, levando a três times independentes buscando o desenvolvimento do primeirosintetizadorpessoal.

O primeiro desses sintetizadores foi oBuchla,aparecido em 1963, produto do trabalho do compositorMorton Subotnick.Outro sintetizador foi o criado porRobert Moog,sendo o primeiro a usar umtecladoao estilo depiano.Em 1964 Moog convidou o compositorHerb Deutschpara visitar seu estúdio emTrumansburg.Moog já havia encontrado-se com Deutsch um ano antes, ouvido sua música, e decidido seguir a sugestão do compositor para a construção de módulos para música eletrônica. Na época de visita de Deutsch, Moog já havia criado protótipos de osciladores controlados, equipamento que Deutsch usou por um tempo, e posteriormente Moog criou um filtro controlado por voltagem. Moog então foi convidado para a ConvençãoAESemNova Iorqueno qual apresentou o artigo "eletronic Music Modules" e vendeu seu primeiro sintetizador ao coreógrafoAlwin Nikolais.

Em 1964, Stockhausen compôsMikrophonie Ipara tam-tam, microfones de mão, filtros e potenciômetros. No ano seguinte foi compostaMikrophonie IIparacoroórgão Hammond e moduladores.

Ainda nos anos 1960 foi desenvolvido oSequenciador,um aparato acessório aos sintetizadores que mudaria a forma de se fazer música pelos anos seguintes. Com ele o músico passou a ser capaz de programar ritmos e frases pré-definidas para serem tocados e gravados sem necessidade de execução manual.

Adoção pela música popular

Apesar da música eletrônica ter começado nas ramificações dacomposição clássica,após alguns anos ela foi adotada pelacultura popular.Um dos primeiro exemplos é o tema paratelevisãodo seriadoDoctor Whocomposto porDelia Derbyshire,em 1963.

No final dadécada de 1960Wendy Carlospopularizou a música de sintetizador com os dois notáveis álbuns,Switched-On BacheThe Well-Tempered Synthesizer,que reproduziram peças de J. S. Bach usando o Moog.O equipamento gerava somente um nota por vez, então para gerar a composição Carlos teve que sobrepor as gravações em um amplo trabalho de estúdio. As primeiras máquinas também eram bastante instáveis, e perdiam a afinação com facilidade. Apesar disso, muitos músicos comoKeith EmersondoEmerson Lake and Palmercomeçaram a usar os equipamentos, inclusive em turnê. Oteremim,que é extremamente difícil de ser executado, foi também usado na música popular. O teremim elétrico foi usado em "Good Vibrations" doThe Beach Boys.Já osBeatlesusaram omellotronem "Strawberry Fields Forever"e o pedal de volume em"Yes It Is".

OKraftwerkem concerto

Assim que a tecnologia evoluiu e os sintetizadores tornaram-se mais baratos, foram sendo adotados por várias bandas derock,tais comoThe Silver ApplesePink Floyd,usando os equipamentos como substitutos aoórgão.Os anos1970viram a explosão dosintetizadornas lojas de instrumentos musicais com o lançamento do revolucionárioMinimoog.Empresas concorrentes daR.A. Moog IncdeRobert Mooglogo surgiram como ARP, EMS e aKorgno Japão, abrindo as portas para a produção de música eletrônica por qualquer músico.

Krautrock, New age e jazz fusion

Nadécada de 1970o estilo eletrônico foi revolucionado pela bandaalemãKraftwerke também pelo instrumentistafrancêsJean Michel Jarre,que fizeram a Música Eletrônica ser popularizada mundialmente, sendo que a bandaalemãrelatava em suas composições a alienação então atual do mundo em relação atecnologia.Outras bandas que anos 1970 também incorporaram o som eletrônico à música popular e principalmente aorockincluemTangerine Dream,Can,Neu!,Popol Vuh.Tal movimento acabou sendo pejorativamente chamado pela imprensainglesada época comokrautrock(uma referência ao apelidosauerkrautdos alemães, que significachucrute,um prato tradicional daquele país), mas acabou sendo aceito pelo tempo devido à grande influência de tais bandas. Já o instrumentistafrancês,instruido porPierre Schaeffer,foi um dos pioneiros no gêneroNew age (música),assim como o músicoalemãoKlaus Schulzee o músicogregoVangelis.

Alguns pianistas dejazzcomoHerbie Hancock,Chick Corea,Joe Zawinul(Weather Report) eJan Hammer(Mahavishnu Orchestra) começaram a usar os sintetizadores em gravações dejazz fusionentre 1972 e 1974. As gravaçõesI Sing the Body Electricde Weather Report eCrossingsde Herbie Hancock usaram sintetizadores para efeitos de som em contraste de somente um substituto aopiano.

A composição paraForbidden Planet,porLouis and Bebe Barron,foi completamente composta usando oteremimem 1956. Assim que os sons eletrônicos tornaram-se mais populares nas composições, outrosfilmesdeficçãocomoAlieneLaranja Mecânicapassaram a depender no efeito de ambiente formado por tais instrumentos.

Década de 1980 a 2000: a música eletrônica para o grande público

ConectoresMIDIem um aparelho eletrônico

No final dadécada de 1970e início dadécada de 1980houve grande interesse na inovação em instrumentos de música eletrônica, amplamente pela substituição dos sintetizadores analógicos por versões digitais, além dos primeirossamplers.Na época os samplers eram, tal qual os primeiros sintetizadores, espaçosos e caros, mas em meados da década de 1980 foram desenvolvidos para tornarem-se mais disponíveis aos músicos.

Similarmente aos samplers, a música eletrônica foi amplamente difundida a partir da década de 1980 através da popularização doscomputadores pessoais.A partir de então era possívelemularas funcionalidades de instrumentos musicais ou de sintetizadores através da criação, manipulação e apresentação virtual de som. Percebeu-se que diferentes equipamentos não conseguiam comunicar-se entre si devido à diferenças em suas tecnologias. Para solucionar o problema foi criado oMIDI,umprotocolo de comunicaçãodestinado a comunicação, controle e sincronização de informações de áudio entre dispositivos comoteclados,sintetizadores e processadores de som.Concebido em 1980, proposto para padronização em 1981 e introduzido de fato em agosto de 1983 (versão 1.0), o MIDI tornou-se um dos padrões mais notáveis da indústria dainformáticae atualmente é aceito na maioria dos equipamentos de áudio e instrumentos musicais eletrônicos. O advento dessa tecnologia permitiu que um simples comando ativasse qualquer dispositivo do estúdio remotamente e emsincronia,respondendo de acordo com as condições predeterminadas pelo compositor.

UmRoland TR-808

Eletro e música industrial

Os novos tipos de sons eletrônicos contribuíram para a formação damúsica industrial,começada por grupos comoThrobbing Gristleem 1975,WavestareCabaret Voltaire.Artistas comoNine Inch Nailsem 1989,KMFDMeSevered Headsusaram as inovações damúsica concretae aplicaram àmúsica danceerock.Durante esse tempo, artistas dedubcomoTackheadgravaram composições com modelos da música industrial que pavimentaram o interesse a bandas comoMeat Beat Manifestoe produtores dedowntempoetrip hopcomoKruder & Dorfmeister.Destaque especial para o surgimento dosynth-pop(amúsica poptocada com o predomínio de sintetizadores) nessa época, que revelou Mega bandas de reconhecimento mundial e influência enorme dentro da música eletrônica comoNew Order,Depeche Mode,Alphaville,Information Society,A-Hae logo depois,Pet Shop BoyseErasure.

Ainda durante o começo da década de 1980 desenvolveu-se emDetroitoeletro,uma forma dehip hopmisturada com o timbre dos sintetizadores analógicos (usando várias referências deKraftwerk), baseado amplamente nascaixas de ritmoscomo oRoland TR-808.Ainda que seja mais associado com ohip hope usado nobreakdanceda época, o eletro é considerado uma forma de música eletrônica. O estilo foi resgatado nos anos 2000 com o eletroclash mas decaiu pela grande influência de novos estilos de música eletrônica tais como ohouse.

Cultura da discoteca,uma das precursoras da música eletrônica dançante

Música eletrônica dançante

O estilo passou então de uma mera ferramenta para os músicos diversificarem e desenvolverem novos sons e timbres musicais apoiando-se em outros estilos musicais para ganhar uma cena própria. Com o sucesso damúsica disco,que atingiu seu auge entre 1977 e 1979 em parte devido ao filme de 1977 "Saturday Night Fever",adécada de 1980e décadas seguintes na música eletrônica foram marcadas pelo surgimento da música eletrônica dançante, levando ao desenvolvimento de novas ramificações como otechno,ohousee otrance.A música eletrônica torna-se a partir de então, além de um estilo musical, um estilo de vida marcado pelasraves(eventos sociais de elevação de consciência baseados em música eletrônica) e pelosDJs(músicos que utilizam instrumentos musicais eletrônicos para executar composições).

O desenvolvimento dotechnoemDetroitehouse musicemChicagonadécada de 1980,além doacid housenoReino Unidono início dadécada de 1990aceleraram o desenvolvimento e a aceitação da música eletrônica na indústria da música, introduzindo a música eletrônica dançante às casas noturnas. A composição eletrônica pode seriar ritmos mais rápidos e precisos que os criados pelapercussãotradicional, além de oferecer a possibilidade de misturas e adição de outros elementos comoinstrumentos musicaistradicionais evocais.O estilo desenvolveu-se de tamanha maneira a tornar-se comercialmente acessível que mesmo artistaspopchegaram a compor usando o estilo, como nos álbunsBelieveda cantoraCher,Ray of Lightda cantoraMadonnaeFeverda CantoraKylie Minogue.Destaque para a cançãoBlue Monday,que foi lançada em 1983 pela banda inglesaNew Ordere se tornou a canção chave para o desenvolvimento da música eletrônica em geral.

RaveemBelo Horizonte,2006

Acid House! - o surgimento das raves

A partir de 1988, sob a alcunhaAcid House,originou-se um movimento contracultural em plenaEuropaconvoluta e em meio ao fim doSocialismo,o desmantelamento daURSS,a reunião daAlemanha,que pregava atitude amistosa e tolerante em contraponto ao pessimismo dark dos anos 1980. Tanto que o período primordial daAcid House(que existiu mais ou menos de 1988 a 1992) foi apelidado deSecond summer of Love,em referência àquele período dos anos 1970 - e, é bom que se saiba, ao amplo consumo da drogaMDMA,cujos usuários são envolvidos numa mistura de pacifismo e euforia. A base sonora era fundamentalmente eletrônica e rítmica. A cultura de sintetizadores dos anos 1970 (krautrock,ambient) se unia com a música eletrônica deguetodos anos 1980 (eletrofunk,hip-hop), os ecos da disco music (house) e ruídos sintetizados e mecanizados das metrópoles (techno). AAcid Housetambém antecipou as estéticascyberpunkdos anos 1990 egeekdos anos 2000. Mesmo com a reações negativas da mídia, sobretudo pelo fato de os inúmeros eventos serem ilegais por causa das drogas, o estilo foi se desenvolvendo, e o gênero musical se transformou em movimento. A partir do final dadécada de 1990o termo caiu em desuso pelos seus participantes naEuropadevido à massificação e desvirtualização do uso.

Um elemento importante para o desenvolvimento da música eletrônica dançante foi o desenvolvimento dasraves.Tais festas de música eletrônica começaram como uma reação às tendências damúsica popular,a cultura decasas noturnas,não podendo esquecer do fortalecimento do movimento LGBT e orádiocomercial. Seu objetivo primordial era a interação entre pessoas e elevação da consciência (uma fuga da realidade) através de diversas formas de arte. Fomentadas primeiramente noReino UnidoeAlemanha,se expandiram para o mundo todo (em muitos casos a estética primordial, baseada na novidade da sonoridade eletrônica, foi substituída por eventos puramente comerciais).

É importante ressaltar que no mundo da música eletrônica, no conhecimento geral, inicia-se que o gênero dominante é o masculino com uma percentagem de 90%, já na imagem feminina, de acordo com a revista Forbes, não existe nenhuma DJ feminina. Nos festivais internacionais, a presença de DJs mulheres tem uma percentagem de apenas 10%, em quase todos os line-ups. Na visão do mercado lucrativo, as mulheres vão de pouco a pouco ganhando uma posição de destaque na música eletrônica, área associada aos homens.

Sub-gêneros

	origem	começo	Outros estilos associados
Breakbeat	(1)Nova Iorque;(2)Inglaterra	(1)início dadécada de 1970;(2)meados dadécada de 1990	techno,hip hop,dancehall
Chill	Europa,América do SuleAmérica do Norte	década de 1990	Música ambiente
Dance music	Europa	década de 1980	House,
Downtempo		raízes nadécada de 1970,mais evidenciado nadécada de 1990	dub,hip hop,jazz,funk,soul,drum and bass,música ambiente,Boss a nova,pop
Drum and bass(Jungle)	LondreseBristol	início dadécada de 1990	breakbeat,techno,trip hop,reggae,dancehall,jazz
Drumfunk	Reino Unido	década de 1990	Drum and Bass
eletro	Detroit,Bronx,Nova Iorque,Los Angeles	início dadécada de 1980	synthpop,música disco,funk
Grime	Londres	década de 2000	Hip HopeDubstep
Hardcore	Europa	final dadécada de 1970	Happy Hardcore,Hardstyle,New Style Hardcore,Jumpstyle,Noisecore,Speedcore,Terrorcore,Trancecore
Bass	Europa	começo da década de 2000	Bass House, Future Bass, Deep Bass
Trap	Sul dos Estados Unidos	final da década de 1990	Traspstep,Trap,Hard Trap, Jungleterror, Chill Trap, Future Trap
House	Nova Iorque,Chicago,Londres,Manchester	década de 1980	eletro House,funk,disco,synthpop,soul,Dubstep,Tech House,Deep House,Fututre House,Bass House
Música ambiente	Europa	década de 1970	Krautrock,música erudita do século XX
Música industrial	Londres,Sheffield,Alemanha,Vancouver,Cleveland,Chicago	início dadécada de 1970	música concreta,Fluxus,Noise
Techno	Detroit	década de 1980	Techno Hands Up,eletro,industrial,synthpop,house,minimal
Trance	França,Alemanha,Países Baixos,BélgicaeReino Unido	início dadécada de 1990	techno,house,industrial,Trance psicodélico
Dubstep	Londres	início dadécada de 2000	Breakbeat,Hardstyle,Drum and bass
Brazilian Bass	Brasil	meados dadécada de 2010	Techno,Nu disco,Deep house,G-House

Ver também

• Chiptune
• Dance music
• EBM
• Krautrock
• Música concreta
• Música de vídeo-games
• Música industrial
• Rave

Bibliografia

• Vladimir Bogdanov, Chris Wood, Stephen Thomas Erlewine, John Bush (2001).All Music Guide to Electronica.The Definitive Guide to Electronic Music. [S.l.]: Backbeat Books.ISBN0-87930-628-9!CS1 manut: Nomes múltiplos: lista de autores (link)
• Ben Kettlewell (2001).Electronic Music Pioneers.[S.l.]: ArtistPro.ISBN1-931140-17-0
• Iara Lee,Peter Shapiro, Simon Reynolds (2000).Modulations: A History of Electronic Music.Throbbing Words on Sound. [S.l.]: Distributed Art Publishers.ISBN1-891024-06-X!CS1 manut: Nomes múltiplos: lista de autores (link)
• Mark Prendergast (2001).The Ambient Century: From Mahler to Trance.The Evolution of Sound in the Electronic Age. [S.l.]: Bloomsbury.ISBN0-7475-4213-9,ISBN1-58234-134-6(edição alternativa)ISBN1-58234-323-3(artigo)
• Simon Reynolds (1998).Energy Flash.a Journey Through Rave Music and Dance Culture. [S.l.: s.n.]ISBN0-330-35056-0
  • Mesmo livro anterior lançado nos Estados Unidos comoSimon Reynolds (1999).Generation Ecstasy.Into the World of Techno and Rave Culture. [S.l.]: Routledge.ISBN0-415-92373-5
• John Schaefer (1987).New Sounds.A Listener's Guide to New Music. [S.l.]: HarperCollins.ISBN0-06-097081-2
• Dan Sicko (1999).Techno Rebels.The Renegades of Electronic Funk. [S.l.]: Billboard Books.ISBN0-8230-8428-0
• MASSIN, Jean; MASSIN, Brigitte (1997).História da Música Ocidental.Rio de Janeiro: Nova Fronteira. 1255 páginas.ISBN85-209-0907-8!CS1 manut: Nomes múltiplos: lista de autores (link)
• Herbert Russcol (1972).The Liberation of Sound.An Introduction to Electronic Music. Englewood Cliffs, Nova Jérsei: Prentice-Hall. 315 páginas.ISBN0135353939
• Reynold Weidenaar (1995).Magic Music from the Telharmonium.The Story of the First Music Synthesizer. Metuchen, Nova Jérsei: Scarecrow Press.ISBN0-8108-2692-5
• Sadie, Stanley. Jorge Zahar Ed., ed.Dicionário Grove de música: edição concisa.1994.Rio de Janeiro: [s.n.]ISBN85-7110-301-1
• MASSIN, Jean; MASSIN, Brigitte. Nova Fronteira, ed.História da Música Ocidental.1997.Rio de Janeiro: [s.n.]ISBN85-209-0907-8!CS1 manut: Nomes múltiplos: lista de autores (link)

Ligações externas

• «Mapa da música eletrônica»(em inglês)
• «Notícias de Música Eletrônica»